El regreso DE Mary Poppins”

 

LANZAMIENTO EPK

 

 ESTRENO VIERNES 21 DE DICIEMBRE 2018

 

Hola a todos,

Este viernes 21 de diciembre se estrena la película de Disney de estas Navidades, El Regreso de Mary Poppins. Estará presente en 622 pantallas de 421 cines de España. Los formatos de proyección serán los siguientes:

–        558 pantallas en versión 2D doblado al castellano

–        34 pantallas en versión 2D VO subtitulada al castellano

–       30 pantallas en versión 2D ATMOS doblado al castellano

 

La película ha sido calificada como APTA PARA TODOS LOS PÚBLICOS con el distintivo: ESPECIALMENTE

RECOMENDADA PARA LA INFANCIA.

Información sobre la producción

En “El Regreso de Mary Poppins” de Disney, un musical totalmente nuevo, Mary Poppins vuelve para ayudar a la siguiente generación de la familia Banks a encontrar la alegría y la magia que faltan en sus vidas tras una trágica pérdida personal. La película está dirigida por Rob Marshall a partir de un guion de David Magee y una historia adaptada de Magee & Rob Marshall & John DeLuca basada en las Historias de Mary Poppins de PL Travers, y protagonizada por: Emily Blunt como Mary Poppins; Lin-Manuel Miranda como Jack; Ben Whishaw como Michael Banks; Emily Mortimer como Jane Banks; Julie Walters como Ellen; Pixie Davies, Nathanael Saleh y Joel Dawson como los niños de los Banks; con Colin Firth como William Weatherall Wilkins; y Meryl Streep como la prima Topsy.

“El Regreso de Mary Poppins” está producida por John DeLuca, p.g.a., Rob Marshall, p.g.a., y Marc Platt, p.g.a., con Callum McDougall como productor ejecutivo. La película presenta canciones originales completamente nuevas con música de Marc Shaiman y letras de Scott Wittman y Shaiman, así como una banda original de Shaiman.

 

~ Una nueva historia que contar ~

Michael Banks era solo un niño cuando la cuasi-perfecta niñera Mary Poppins visitó por primera vez la casa de los Banks, pero ahora es un hombre adulto que tiene sus propios hijos. Michel, un artista en dificultades, tiene un empleo temporal en el Fidelity Fiduciary Bank que es la misma institución financiera donde su padre y su abuelo trabajaron antes que él. Michael vive en el nº17 de la Calle del Cerezo con sus hijos Annabel, John y Georgie. Corren malos tiempos en el Londres de la era de la Depresión. Es la década de 1930, y la ciudad está sumida en la “Gran Depresión”, así que hay poco dinero, la gente lo pasa mal y el futuro es incierto.

 

Además, la familia intenta recuperarse de la reciente muerte de la esposa de Michael. La casa está en mal estado y reina el caos, a pesar de los esfuerzos de Ellen (Julie Waters), su poco eficiente pero bien intencionada ama de llaves. Los niños, enfrentados a la dura realidad y a la carga de la pérdida de su madre, tienen que asumir responsabilidades de adultos y se ven obligados a crecer demasiado deprisa.

 

Su hermana Jane ha heredado el entusiasmo de su madre por las buenas causas y, aunque se dedica a promover los derechos de los trabajadores, encuentra tiempo para ayudar a Michael y a su familia siempre que puede. Además de sobrellevar su propia tristeza, a Michael le resulta cada vez más difícil comunicarse con sus hijos. Al mismo tiempo, el presidente del banco, el Sr. Wilkins, que se muestra como un mentor considerado y altruista de Michael, es en realidad un hombre retorcido y astuto que ha puesto en marcha la ejecución hipotecaria de la casa de los Banks que hunde aún más a Michael.

 

 

Afortunadamente, las cosas empiezan a cambiar y la enigmática niñera dotada de habilidades mágicas que puede convertir cualquier tarea aburrida en una aventura  fantástica, vuelve a entrar en Las vidas de la familia Banks, y sin haber envejecido absolutamente nada. Mary Poppins recurre a su viejo amigo Jack, un encantador y optimista farolero y emprenden con los hijos de los Banks una serie de extraordinarias aventuras en compañía de personajes tan pintorescos como la excéntrica prima de Mary, Topsy, y su pandilla de entrañables faroleros, que vuelven a inundar su hogar de vida, amor y risas.

 

~ Allá vamos ~

Rob Marshall siempre había soñado con hacer un musical original para el cine. El director nominado al Oscar® (“Chicago”), al Emmy® y ganador del Premio DGA, que comenzó su carrera en los escenarios de Broadway como coreógrafo y director, es responsable de las exitosas adaptaciones para el cine de “Chicago”, “Nine” e “Into the Woods”, así que sabe cómo construir un musical. Entiende el mundo del cine y el mundo de los musicales de Broadway de una manera única y personal, y con “El Regreso de Mary Poppins” ha tenido la oportunidad de crear un homenaje a las películas clásicas musicales de su juventud.

 

Tras la exitosa colaboración con Marshall, su socio productor John DeLuca y el productor Marc Platt en “Into the Woods”, Disney estaba deseando trabajar con los realizadores en otro proyecto y sugirió hacer una secuela de uno de sus títulos más preciados, “Mary Poppins”. Y resultó que la película tenía un significado muy especial para todos ellos.

 

“‘Mary Poppins fue la primera película que vi de niño y marcó el inicio de mi pasión por el cine de aventuras y fantasía y por los musicales”, dice Marshall. “Pero cuando me lo dijeron me dio bastante miedo. ¿Cómo se hace una secuela de una película tan icónica? Pero también me entusiasmó la idea de asumir un proyecto de esta envergadura… No había tenido nunca la oportunidad de crear un musical original para el cine”.

 

Marshall continúa diciendo: “Esta es sin lugar a dudas la película más personal que he hecho. Trata sobre recuperar al niño que llevamos dentro y tener esperanza en un momento muy complicado. También me parece muy oportuna teniendo en cuenta el clima actual que impera en el mundo”.

 

Fue en 1934 cuando la escritora PL Travers dio a conocer a esta sensatísima niñera en su libro infantil “Mary Poppins”. En los siguientes 50 años, escribió siete libros más que atesoran un sinfín de aventuras mágicas con la enigmática institutriz (“Ha vuelto Mary Poppins”, “Mary Poppins abre la puerta”, “Mary Poppins en el parque”, entre otros). En los libros, la institutriz, armada con su paraguas y que tiene respuesta para todo, imparte sus enseñanzas como sólo Mary Poppins puede hacerlo.

 

En lo que se refiere a la narrativa de la película, Marshall imaginó una historia original con un mensaje emotivo y profundo, pero sin olvidar la magia y la fantasía de las aventuras mágicas. “Era evidente que se había muchas historias que contar”, afirma Marshall. Y añade: “Una vez que leímos todos los libros, los combinamos haciendo hincapié en el tema recurrente de Travers. La escritora afirma que cuando llegamos a la edad adulta, nos volvemos cínicos e incrédulos y olvidamos cómo se ve la vida a través de los ojos de un niño”.

 

David Magee, el guionista que ha sido nominado al Premio de la Academia® en dos ocasiones (“Descubriendo Nunca Jamás”, “La vida de Pi”), se incorporó al proyecto para escribir el guion. Junto con Marshall y DeLuca, elaboraron una historia totalmente original ambientada en la época de la Depresión en Londres a mediados de los años 30 (el período real de los libros de PL Travers), y 25 años después de los acontecimientos que tuvieron lugar en la primera película. Aunque Jane y Michael Banks son niños en todos los libros de Travers, eligieron crear una nueva narrativa que giraría en torno a Michael y Jane de adultos.

 

Magee afirma: “Cuando nos sentamos por primera vez y empezamos a hablar de esto con John DeLuca y Rob Marshall nos dimos cuenta inmediatamente que hablábamos el mismo idioma. Todos recordábamos esa película de nuestra infancia con el mismo cariño, y terminábamos las frases de los demás, añadiendo ideas. Así que al final de nuestra primera reunión, estaba claro de que íbamos a trabajar juntos”.

 

“Lo interesante de los libros de PL Travers es que cada capítulo es una aventura independiente que comienza con Mary Poppins y los niños cuando empieza el día”, sigue diciendo Magee. “Se lanzan a vivir una aventura, y cuando acaba el día ella niega que haya sucedido. Y al día siguiente vuelve a pasar. Queríamos elaborar una historia que incorporara esos elementos en una narrativa original”.

 

Mary Poppins incluyó en los libros pequeñas máximas, comentarios que hacía sobre la capacidad de maravillarse y creer en lo imposible, y Magee, Marshall y DeLuca revisaron todas las páginas de los libros de Travers para encontrar los mejores. “Los llamamos ‘Mary Poppismos’, dice Magee, “cosas que ella decía y que sólo ella podía pronunciar. ‘Todo es posible, incluso lo imposible”, es la filosofía de PL Travers, y se convirtió en una frase importante de nuestra película”.

 

“La película cuenta cómo se puede salir de una situación muy difícil y encontrar alegría y esperanza en un momento complicado, y Mary Poppins es la clave de eso”, dice el productor Platt, nominado al Oscar® y ganador del Emmy® y el Tony® (“La ciudad de las estrellas (La La Land)”, “El puente de los espías”). “Los niños de los Banks viven en un hogar sin una madre, así que en la casa reina una sensación de soledad y tristeza, a imagen de lo que ocurre en el exterior. Así que tener esperanza en momentos difíciles nos pareció muy contemporánea”.

 

Marshall añade: “Es fundamental ver las cosas desde un ángulo diferente, y Mary Poppins lo sabe y ayuda a que los niños lo comprendan”.

 

“Quisimos mantener la esencia de la obra de Travers incorporando el estilo clásico y la belleza de los libros y continuar así con el legado de los mundos maravillosos que ella creó”, dice el productor DeLuca, ganador del Emmy® y nominado a los Globos de Oro. “Vivimos en una época en que la gente necesita tener esperanza. Todos podrían incluir a una Mary Poppins en sus vidas en este momento”.

 

 

~ Reuniendo al reparto ~

“Los cuentos de ‘Mary Poppins’ tienen un estilo clásico. Concuerdan con la esencia del cine musical clásico pero también son muy contemporáneos y transmiten algo muy actual”, dice Marc Platt (“La ciudad de las estrellas (La La Land)”, “El puente de los espías”, “Grease Live!”), el productor nominado dos veces al Oscar® y ganador del Emmy. “Rob es un maestro en mezclar todos esos componentes. Su enfoque es preciso, y no se conforma con cualquier cosa. Sabe encontrar magia en cada encuadre, en cada escena, en cada número musical”.

 

Pero sin los actores adecuados para dar vida a esa magia, el trabajo sería en vano. Para el papel de esta niñera tan peculiar y enigmática, los realizadores tenían una persona en mente: Emily Blunt.

 

“Emily es una magnífica actriz. Además es divertida y cariñosa además de muy sensible. Además sabe cantar y bailar”, dice Rob Marshall. “En realidad, Mary Poppins es un personaje muy estricto y reservado por fuera, pero por dentro es entrañable y cariñosa. Emily supo interpretar todos esos matices con precisión y sofisticación”.

 

El director había trabajado con Blunt en “Into the Woods” y la conoce bien. “Sé de lo que es capaz… comprendo su humor… nos llevamos muy bien”, explica. “Emily creó su propia versión del personaje de forma original y muy especial, centrándose más en la Mary Poppins de los libros”, dice Marshall. La verdad es que no sé quién hubiera podido interpretar el papel aparte de ella”.

 

Blunt, cuyos créditos más recientes incluyen “Un lugar tranquilo” y “La chica del tren”, trabajó con Marshall, John DeLuca y Marc Platt en “Into the Woods” y con Platt en “La chica del tren”. La actriz se sintió halagada cuando le propusieron el papel protagonista. Sabía muy bien que era un gran desafío, pero esa es una de sus condiciones a la hora de aceptar un papel. La actriz dice: “Rob Marshall me presentó el personaje de una manera muy interesante. Me dijo que Mary Poppins tenía un plan maestro enigmático, que era presumida y estilosa, pero también muy divertida.

 

“Es el personaje más empático que he interpretado”, dice la actriz ganadora de los Globos de Oro. “No hay nada manipulador en su generosidad. No espera nada a cambio; lo convierte en un viaje de autodescubrimiento para el espectador, la familia de los Banks. Y después desaparece. Creo que esa es la mejor forma de empatía, reconocer lo que la gente necesita y dárselo sin esperar nada a cambio”.

 

Como director, Marshall también sabe lo que necesitan las personas… sobre todo los actores. Sabe cómo hacer que los actores y sus actuaciones cobren vida y les da confianza en sí mismos, creando un entorno en el que pueden dar lo mejor de sí mismos. “Rob sabe cómo llegar a las personas y sacar lo mejor de sí mismos”, explica DeLuca. “Tiene muy buena relación con sus actores y consigue que den lo mejor de sí mismos”.

 

“Rob es meticuloso en todos los aspectos de la producción. Le gusta trabajar en equipo, escucha y le preocupa todo. Entiende a los seres humanos a nivel molecular”, dice Blunt. “Entiende el material con tanta profundidad que no tienes que pensar en nada ni trabajar demasiado, porque él ya ha pensado en todo”.

 

Un nuevo personaje de “El Regreso de Mary Poppins” es uno de los antiguos compañeros de Mary. “Creamos este personaje de Jack el farolero, que literalmente, y metafóricamente, ilumina Londres en un momento oscuro”, dice Marshall. “Es un hombre optimista que ve la luz, incluso en la oscuridad, y que se aferra a ese maravilloso espíritu infantil”.

 

“Una de las cosas más satisfactorias de esta película fue contar con Lin-Manuel Miranda para el papel de Jack”, continúa diciendo Marshall. “Aporta un estilo tremendamente interesante y contemporáneo a la película. Todo el mundo sabe que es un excelente compositor y escritor. Pero además es un magnífico actor y un maravilloso cantante y bailarín con un espíritu puro difícil de encontrar”.

 

El actor es conocido por sus papeles en los escenarios teatrales (“Hamilton”, “In the Heights”), ha ganado del Premio Pulitzer -Premio Tony®- y el GRAMMY® y se mostró emocionado por la oportunidad de crear un papel en la pantalla. “Este personaje tiene algo muy mágico”, dice Miranda. “Jack se ocupa de las luces de Londres, pero también vive todas esas increíbles aventuras con Mary Poppins y aporta luz a todos los que lo rodean, especialmente a los niños”.

 

En los años 30, los faroleros como Jack eran responsables de apagar las farolas de gas por la mañana y volver a encenderlas por la noche, en todo Londres. Estos faroleros se desplazaban en bicicleta con escaleras para subirse a los postes de luz para llegar a los encendedores de gas. En 2016, durante el rodaje de la película, todavía funcionaban en Londres más de 2.500 farolas de gas.

 

Miranda no tardó en sumergirse en el mundo de PL Travers. Su personaje fue en su momento aprendiz de Bert, el personaje de Dick Van Dyke en la primera película, y Jack, al igual que Bert, sigue conservando la imaginación de un niño.

 

“Lin es increíble”, dice Blunt. “Está muy seguro de sí mismo y tiene una alegría contagiosa. Además se da en cuerpo y alma en todas las situaciones que se le presentan. Ya sea deslizándose por las escaleras o subiendo al Big Ben o colgándose boca abajo, se entusiasma con todo. Y eso es lo que necesitábamos para un personaje como este que transmite magia”.

 

La actriz sigue diciendo: “Jack y Mary Poppins están más o menos conchabados. A pesar de que él no pertenece a su mundo, lo entiende y es muy bueno convenciendo a los niños para que la acompañen. Así que se produce una química maravillosa. No hay nada romántico entre ellos, sólo son espíritus afines”.

 

Ben Whishaw, uno de los mejores actores de su generación (“SPECTRE”, “A Very English Scandal”), fue elegido para encarnar a Michael Banks de adulto. Mary Poppins vuelve para ayudar a Michael, que ha perdido el rumbo, y una vez allí se da cuenta de lo mucho que la necesitan. Michael y Jane recuerdan a Mary Poppins de cuando fueron niños; sin embargo, se han convencido de que sus aventuras mágicas con la niñera era fruto de la imaginación.

 

 

La primera película tuvo un enorme impacto en Whishaw cuando era niño. “Me quedaba embobado y la vi un millón de veces. Me sabía todas las letras de las canciones y me disfrazaba como ella y como todos los personajes y actuaba delante de mi familia. “Estaba emocionado y me intrigaba mucho la idea de una secuela, y cuando me reuní con Rob me encantó y me convenció lo que quería hacer con la historia… fue irresistible para mí”.

 

“Michael ha perdido a su esposa y los hijos a su madre, y nadie la ha reemplazado”, dice Platt. “Michael está perdido y los niños, sobre todo los dos mayores, casi tienen que hacer de padres de él”.

 

Según DeLuca, Michael es el alma de la película, y la habilidad de Whishaw para transmitir la lucha y la transformación de su personaje fue extraordinaria. “Es muy inteligente y transmite tanta profundidad que no puedes evitar creer en él”, dice.

 

La actriz Emily Mortimer (“La invención de Hugo”, serie “The Newsroom”) encarna a Jane Banks. Aunque tenía algunas dudas sobre cómo interpretar la versión adulta de un personaje tan querido, fueron sus propios hijos los que la ayudaron a verlo desde otra perspectiva. “Al final, me centré en el espíritu de esa joven de la primera película que hizo una interpretación magnífica, e intenté no obsesionarme con ninguna de sus características físicas o peculiaridades. Vi videos de mis propios hijos de hace unos años y me di cuenta de que ahora son personas completamente diferentes físicamente”.

 

Mortimer tuvo la suerte de conocer a Karen Dotrice, la actriz que interpretó a la joven Jane Banks en la primera película y pudo hablar con ella sobre el personaje. Dotrice visitó el plató para rodar un cameo (dice una frase que seguramente hará sonreír a los fans de la primera película). “Cuando entramos por primera vez en la Calle del Cerezo, se quedó alucinada”, dice Mortimer. “Se quedó sin habla. Fue maravilloso y muy emotivo”.

 

Julie Walters (“Mamma Mia”, las películas de “Harry Potter”) encarna a Ellen, el ama de llaves, que es una más de la familia Banks y que trabaja en el nº17 de la Calle del Cerezo desde que Jane y Michael eran niños. Colin Firth (“El discurso del Rey”, “Kingsman: Servicio secreto”) es William Weatherall Wilkins, del Fidelity Fiduciary Bank, el ejecutivo de banco más preocupado por su ambición que por la difícil situación que atraviesa la familia Banks. Meryl Streep (“Los archivos del Pentágono”, “Into the Woods”) es Topsy, la excéntrica prima de Mary Poppins, con ascendencia de Europa del Este, que tiene una relación complicada pero muy divertida con Mary, y cuya tienda de arreglos se pone patas arriba el “segundo miércoles” de cada mes.

 

Pixie Davies (“El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares”, “Humans” de AMC) interpreta a Annabel, la brillante y audaz hija de Michael Banks; Nathanael Saleh (“Juego de tronos”) es John, el inteligente y reflexivo hijo mayor de Michael; y el debutante Joel Dawson es Georgie, su enérgico hijo de 8 años. “Buscamos a estos niños por todo el mundo”, dice Marshall. “Quería encontrar niños de verdad, no niños del mundo del espectáculo, que tuvieran dotes para actuar y cantar y bailar, pero que además aportaran frescura y sinceridad a sus papeles. Y lo cierto es que tuvimos mucha suerte”.

 

 

 

 

De todos los personajes, estos tres fueron los más difíciles de encontrar. “Queríamos que los niños tuvieran personalidades diferentes”, dice DeLuca. Y añade: “La búsqueda fue larga pero son personajes muy importantes para nuestra historia. Afortunadamente, los actores que encontramos aportan mucho a la película”.

 

En la película también participan las leyendas de Disney, Angela Lansbury y Dick Van Dyke. La ilustre Lansbury, que protagonizó “La bruja novata” y la cinta animada “La Bella y La Bestia” para el estudio, interpreta a la mágica Vendedora de Globos, un personaje muy querido de los libros de PL Travers. Dick Van Dyke, que hizo “Mary Poppins”, “Chitty Bang Bang”, “Un beso para Birdie” y muchas otras películas, interpreta al Sr. Dawes, Jr., el presidente jubilado del banco que ahora dirige el personaje de Firth que es hijo del personaje que encarnó en la primera película.

 

A sus 92 años, Van Dyke tenía más energía que la mayoría de los actores y de los miembros del equipo. “Verlo trabajar era como asistir a una clase magistral”, dice Miranda. Y añade: Entre tomas le bombardeaba con preguntas y me contó historias maravillosas. Fueron los días más inolvidables del rodaje”.

 

 

 

~ La nueva música inolvidable ~

En nuestros días no abundan musicales nuevos y aún menos un musical de la envergadura de “El Regreso de Mary Poppins”. “Las películas que me han marcado fueron ‘Sonrisas y lágrimas’, ‘My Fair Lady’, ‘Oliver’… películas que irías a ver con toda tu familia y donde había intermedios”, dice Rob Marshall.

 

Según el productor Marc Platt: “Rob siempre quiso que la película tuviera una gran envergadura… y es lo que nos propusimos crear, y creo que lo hemos logrado”.

 

Lin-Manuel Miranda está convencido de que el director nació en la década equivocada. “Si Rob hubiera nacido durante la época de MGM, ya habría hecho 50 musicales”, explica. “Es tremendamente difícil hacer una película musical de éxito. No me refiero a éxito financiero, quiero decir artísticamente, en donde se funden todas las disciplinas artísticas, la coreografía, la música, el baile, los números, las canciones… Cuando todo encaja, no hay un género más maravilloso”.

 

Marc Shaiman, ganador del Tony® y del GRAMMY® (“Hairspray”, “South Park”) y Scott Wittman, ganador del Tony y nominado tres veces al Emmy® (“Hairspray”, “Smash”) son grandes fans del género, y de la música que compusieron Richard M.  Sherman y Robert B. Sherman en la primera película. Para Shaiman, componer una banda sonora completamente nueva y música para nuevas canciones y escribir las letras con Wittman, fue un sueño hecho realidad.

 

A Shaiman le cuesta expresar con palabras el profundo impacto que los hermanos Sherman han tenido en su carrera como compositor de música y de canciones. “La película y la banda sonora significaron muchísimo para mí cuando era niño y me enseñaron todo lo que sé sobre el cine”, dice. “Las canciones de ‘Mary Poppins’ son, en una palabra, perfectas. La música y las letras se funden perfectamente. Son ingeniosas pero también muy emotivas, así que el listón estaba muy alto”.

 

El guion es una parte muy importante de cualquier musical, así que el dúo se incorporó para escribir la música y las letras cuando se estaba escribiendo el guion, lo que permitió que la banda sonora encajara a la perfección desde el principio. “Hacer un musical original de acción real fue muy emocionante. Fue maravilloso ver cómo las nuevas canciones tomaban forma, aprenderse la música, ver los ecos de la primera película en el increíble trabajo de Marc y Scott”, dice Miranda, “y como alguien que ha formado parte del proceso de hacer musicales nuevos, fue un privilegio estar presente como actor y participar en todo”.

 

Wittman afirma: “La colaboración con el director y el guionista es muy importante, porque estas cosas solo funcionan si todos tenemos la misma visión. Rob es muy bueno porque cuando elabora algo te deja ver lo que le pasa por la cabeza y eso te ayuda a crear la parte musical”.

 

“Hay elementos de lo mejor de los hermanos Sherman, pero todo es de Marc Shaiman y Scott Wittman”, dice Platt. “Sientes que estás en el mundo de Mary Poppins, pero al mismo tiempo es nuevo y fresco. Hay melodías pegadizas. Hay ingenio. Hay encanto, y las baladas encierran una poesía preciosa”.

 

Shaiman y Wittman crearon nueve canciones originales que ayudan al desarrollo de la trama y realzan a los personajes. “No nos alejamos demasiado del tono de la primera película”, añade Shaiman. “Queríamos que pareciera que estábamos retomando la historia donde terminó la última película”.

 

Las nuevas canciones incluyen: la balada central de la película, “The Place Where Lost Things Go”, una canción de cuna interpretada por Mary Poppins; el bullicioso número de music hall con Mary Poppins y Jack, “A Cover is Not the Book”; “Underneath the Lovely London Sky”, el número de apertura que interpreta Jack, y una carta de amor a la ciudad; “Turning Turtle”, una secuencia musical extraordinaria interpretada por Topsy, la excéntrica prima de Mary; “A Conversation”, una canción agridulce interpretada por Michael en la que intenta asumir su pérdida; y la deslumbrante “Nowhere to Go But Up” que pone punto y final a la película.

 

El vocabulario de los personajes es clave para elaborar un musical, y en su calidad de compositores, Shaiman y Wittman pudieron crear canciones que parecen de los años 30, sin dejar de ser modernas. En el gran número de canción y baile, “Trip a Little Light Fantastic”, los faroleros tenían su propio lenguaje. “Lo llamamos idioma ‘leerie'”, dice Wittman. “Es una jerga de cockney que Mary Poppins habla bastante bien, al igual que Jack”.

 

“El elemento musical de esta película fue una gozada”, dice Emily Blunt. “Formé parte del proceso desde el principio. Fue un maravilloso trabajo de colaboración. Rob está muy atento a las necesidades de los actores y tiene en cuenta su visión sobre los personajes”.

 

 

 

 

A Shaiman y Wittman les impresionó el talento y el esfuerzo de Blunt a la hora de elaborar su personaje. Wittman afirma: “Fue fantástico trabajar con Emily. Ella también trabajó muy duro. Salía de su clase de voz y venía a trabajar con nosotros directamente. Así que asistimos a sus progresos a medida que pasaban las semanas”.

 

Al igual que ocurre en todas las películas musicales de Marshall, el programa del rodaje exigía muchas horas de ensayo. Los ensayos de las canciones y de bailes del reparto tuvieron lugar en los platós de los Estudios Shepperton entre octubre 2015 y enero 2016. Marshall lo explica: “Marc y Scott escribieron varias versiones de canciones, exactamente igual que cuando se prepara un espectáculo en Broadway. Nos dieron tiempo para experimentar, trabajar y cambiar, para elaborar los números musicales y construir un musical original desde cero”.

 

“Yo vengo del mundo del teatro así que me sentí muy a gusto”, dice Miranda. “Cuando haces una película, nunca tienes tanto tiempo para ensayar. De hecho tuvimos más tiempo que en la mayoría de los espectáculos de Broadway”.

 

La frecuencia y la intensidad de los ensayos de baile fueron especialmente cruciales, ya que los coreógrafos Marshall y DeLuca querían que la coreografía pareciera espontánea, como si hubiera crecido orgánicamente a partir de la historia y los personajes. “Se necesita mucho trabajo para hacer que algo parezca natural”, dice Miranda, “pero es lo que hicimos y el resultado es extraordinario”.

 

Blunt añade: “Hay un gran número musical con Lin y yo llamado ‘A Cover is Not the Book’. Fue probablemente el mayor número de baile que tuve que hacer. Empezamos a bailar el primer día de ensayos que duraron ocho semanas porque, como dijeron Rob y John, tienes que interiorizarlo. Tienes que interiorizarlo de tal forma que el día del rodaje, cuando estés vestido y con todo el equipo delante, no tengas que pensártelo y te sientas totalmente seguro… esa es la mentalidad de un bailarín. De ahí vienen Rob y John. Entienden que, cuando se crea un espectáculo como este, se necesita ensayar mucho”.

 

Marshall contrató a Mike Higham (“Into the Woods”, “Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet”) como productor ejecutivo de la música y supervisor de la música, para que trabajara en estrecha colaboración con Shaiman y Wittman y supervisara todos los ensayos de la música y las sesiones de grabación de las canciones y la banda sonora. Las pistas orquestales y las voces del reparto se grabaron previamente con una orquesta sinfónica de 82 instrumentos dirigida por el supervisor musical Paul Gemignani (“Into the Woods”, “Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet”) en los AIR Lyndhurst Studios de Hampstead.

 

Marshall quería asegurarse de que las voces de la película se integraran a la perfección en la película, así que las voces del reparto se volvieron a grabar, esta vez en directo en el set para reproducir la energía de las voces en directo. “Rob sabe mucho de música”, dice Higham. “Tiene un gran oído y eso me facilitó mucho el trabajo porque podía hablar con él al mismo nivel, musicalmente. Así que cuando estábamos en las sesiones de grabación, pudo transmitir sus comentarios a los músicos en los términos apropiados en italiano (forte, pianissimo, etc.), lo que tiene un valor incalculable y es tremendamente difícil”.

 

Los galardonados diseñadores de sonido Reneé Tondelli (nominado al Oscar® por “Marea negra”) y Eugene Gearty (ganador del Oscar por “La invención de Hugo”) supieron realzar los numerosos mundos de Poppins, desde el auténtico Londres de los años 30 a las estilizadas aventuras de Mary. Su trabajo en “El Regreso de Mary Poppins” revestía una gran dificultad debido a los numerosos aspectos musicales de la película musical original. Además de combinar el diálogo, las canciones en directo y las canciones pregrabadas, incorporaron sonidos de la época y crearon un “lenguaje de sonido” completamente nuevo para la secuencia de animación dentro de un tazón de porcelana Royal Doulton.

 

El montador Wyatt Smith, ACE (“Into the Woods”, “Piratas del Caribe: En mareas misteriosas”) también se enfrentó a grandes dificultades. La dificultad residía en combinar perfectamente las escenas íntimas con las secuencias musicales a gran escala, supervisar efectos visuales muy complicados y coordinar la acción en directo y la animación, creando un flujo visual constante y un gran ritmo.

 

“La gente ama la música… la música no tiene filtro… trasciende el lenguaje. La música nos hace sentir cosas”, dice Platt. “La narración musical es una maravilla porque te permite ir a donde la vida real no suele llevarte, y la música es fundamental en ‘El Regreso de Mary Poppins’.”

 

~ Dar vida a la historia visualmente ~

Crear un musical original es un reto para cualquier realizador, pero Rob Marshall es un director clásico que aporta una sensibilidad moderna a sus películas. Su experiencia como coreógrafo ha tenido un profundo impacto en su trabajo como realizador, algo que Dion Beebe, ACS, ASC, el director de fotografía ganador del Oscar® (“Memorias de una geisha”, “Into the Woods”), ha observado trabajando con él durante la década pasada. “Con Rob todo reside en el movimiento, en la interacción y en realzar los personajes y la historia”, dice Beebe.

 

El diseñador de producción John Myhre (“Chicago”, “Memorias de una geisha”), ganador de dos Oscar®, está de acuerdo y afirma: “El número musical de apertura comienza con Jack en el dique del Támesis, justo cuando amanece. Van apareciendo el Big Ben y el Parlamento y después se interna en Londres hasta llegar a la Calle del Cerezo. Pero con Rob, Jack no se limita a andar por la calle en línea recta, sino que se mueve de una manera musical que sirve para contar una historia, lo que realza la belleza del escenario y nos da pistas sobre la naturaleza del personaje”.

 

Con el fin de ofrecer una experiencia cinematográfica en pantalla ancha, Beebe eligió la captura digital en lugar de película y rodó con cámaras Alexa XT y Alexa Mini y lentes Panavision Anamorphic G Series con una relación de aspecto de 2:4.0. “Rob le da tanta importancia a los detalles que las grandes pantallas de alta definición se convirtieron en una parte importante a la hora de dirigir la acción, la coreografía y controlar los detalles dentro del encuadre”, dice Beebe.

 

A Emily Blunt le encantó la envergadura de la producción, pero también le gustaba la capacidad de Marshall para no dejar que hiciera sombra a la historia. La actriz lo explica: “Es una película descomunal desde el punto de vista cinematográfico, desde los sets hasta el rodaje fuera del Palacio de Buckingham y el cierre del Strand para filmar esa enorme escena fuera del Royal Exchange… es una película gigantesca con grandes acrobacias y escenarios, pero también me pareció muy íntima”.

 

Para materializar su visión en la pantalla, Marshall contó con el apoyo de algunos de los artistas de más talento del panorama actual. Entre los que están: Beebe; Myhre; Smith; Sandy Powell (“La reina Victoria”, “Shakespeare enamorado”, “El aviador”), ganadora de tres Premio de la Academia®, como diseñadora de vestuario; Matt Johnson (“Jack Ryan: Operación Sombra”, “Guerra Mundial Z”) como supervisor de efectos visuales; y Peter Swords King (“El Señor de los Anillos: El retorno del Rey”, “Star Wars: Los últimos Jedi”), ganador del Oscar®, como diseñador de maquillaje y peluquería.

 

En su calidad de diseñador de producción, Myhre trabajó estrechamente con Marshall y Beebe para crear el mundo visual que el público ve en la pantalla. De las localizaciones a los fondos pasando por los sets físicos, su departamento de directores de arte, dibujantes, artistas conceptuales y maquetistas, ayudó a reforzar la historia y la historia de los personajes desde un punto de vista visual.

 

Myhre trabajó por primera vez con Marshall en 2003 en el “Chicago” ganador del Oscar”. Desde entonces, han vuelto a formar equipo en numerosos proyectos y se admiran mutuamente y se entienden casi sin palabras. Porque esta película no es un remake, sino una película totalmente nueva.  Marshall dejó claro desde el principio que no quería que Myhre se centrara demasiado en el aspecto de la primera película sino en los ocho libros de PL Travers. De hecho, el aspecto visual de la película surgió de esos libros. Además, el escenario de la historia y el período de los años 30 también tuvieron una gran influencia.

 

Myhre lo explica: “Los diseños teatrales de los preciosos cuadros de vidrio mate de Tony Walton y Peter Ellenshaw, que tanto nos gustan a los dos, aportaban a la primera película fantasía y un aspecto pictórico, pero Rob quería que esta película fuera más tangible, más real y más descarnada. En vez de limitarse a ser un bonito libro de imágenes de Londres, Rob quería un Londres de verdad con problemas y dificultades reales.

 

Los realizadores rodaron por todo Londres para que la película ofreciera una imagen más realistas, de forma que la sorpresa, el color y la fantasía que surgen con la llegada de Mary Poppins, fueran el punto de partida perfecto de los problemas del mundo real que ocurrían en aquella época.

 

Las localizaciones incluyen: la Catedral de San Pablo, el Palacio de Buckingham, la Torre de Londres, Cowley Street, Queen Anne’s Gate, el Royal Exchange, Cornhill, Middle Temple y King Charles Street. Muchos de los cuales exigieron una preparación detallada para ocultar cualquier añadido moderno. Y se iluminó y se rodó con el máximo cuidado para mostrar la verdadera belleza de la ciudad. De hecho, el número musical de apertura, “Underneath the Lovely London Sky”, aunque visualmente representa los tiempos más oscuros de Londres, es en realidad “una carta de amor a Londres”, lo que acabó convirtiéndose en la filosofía de Myhre a la hora de diseñar.

 

Myhre llevó a cabo una investigación exhaustiva para que el Londres que el público ve en la pantalla fuera lo más parecido posible al Londres de los años 30. Pero también hizo gala de una desbordante creatividad e imaginación al diseñar los diferentes ambientes que se construyeron en los platós. “La imaginación de John nos llevó a lugares que nunca hubiéramos podido imaginar”, dice productor John DeLuca.

 

 

Se utilizaron ocho platós en Shepperton Studios para construir y alojar los asombrosos sets físicos de la Calle del Cerezo, la tienda de Topsy, el Big Ben, los interiores de la casa de los Banks y el enorme parque abandonado.

 

La Calle del Cerezo, situada en el Plató H de Shepperton, fue el más grande y se invirtieron 18 semanas en su construcción. Se diseñó para que el público recordara la primera película y creyera que había estado antes allí. Pero también era necesario contar una historia visual en la era de la Depresión en Londres.

 

Como resultado, las casas se redujeron, y la altura de los techos también se redujo para que aparecieran en el campo de la cámara y hacer que las casas parecieran menos imponentes. Los interiores de la casa de los Banks, incluido el cuarto de los niños, el baño, la sala de estar, el pasillo y el desván, se construyeron en el Plató D, y los fans de la primera película podrán reconocer algunos accesorios familiares como la mesa de mármol blanco en el pasillo de la entrada (cedida por el Club 33, un club solo para miembros en Disneyland).

 

El set de la tienda de Topsy -en el que se invirtieron siete meses- fue el más difícil de construir y decorar. El decorador de sets y ganador del Oscar® Gordon Sim (“Chicago”, “Nine”) y su equipo empezaron comprando artículos para decorar el set en los mercadillos de antigüedades de toda Inglaterra. Al final reunieron más de 538. Durante los meses siguientes transportaron los artículos más pesados que habían comprado como un piano de cola y una estatua de mármol de 4 metros y haciendo copias en plástico de los artículos frágiles, incluidas las estatuillas de Staffordshire y la vajilla de porcelana.

 

Después se atornillaron todos los elementos al techo de un set de verdad invertido en el Plató C, al que después se dio la vuelta. “Cuando mirabas hacia arriba en la puerta principal, Mary Poppins caminaba por el techo, escalaba 3,5 metros hasta el fondo de las estanterías y por los brazos de una estatua cabeza abajo”, dice Myhre. “Bienvenidos al mundo chiflado y maravilloso de Topsy”.

 

Las escenas que exigían pantallas verdes y azules para los efectos visuales se rodaron primero en los Platós J y K con elementos físicos con los que el reparto pudiera interactuar, llamados  proxies, que después se sustituían con animación en posproducción. Esto incluía la secuencia del Royal Doulton Music Hall, donde, después del paseo en carruaje, la sombrilla de 60 cm de Mary Poppins se convierte en una carpa de 240 metros que alberga un gigantesco  music hall de vodevil de principios de siglo.

 

Ahí es donde ella y Jack se suben al escenario e interpretan el número musical “A Cover Is Not the Book”. El escenario estaba decorado con libros victorianos de todos los tamaños y cada línea de la canción se representaba en un set diferente que surgía de un libro victoriano y todos ellos se basaban en diferentes momentos de los libros de PL Travers.

 

Se necesitaron 26 semanas para construir el set del parque abandonado que se utilizó para rodar partes del número musical más grande de la película, “Trip a Little Light Fantastic”. De hecho, se invirtieron dos semanas en rodar las secuencias de baile, con más de 50 faroleros bailando en la pantalla al mismo tiempo. Los exteriores del gigantesco número de ocho minutos se rodaron se rodaron en Middle Temple en Londres, aprovechando sus famosas calles de adoquines, sus arcadas y sus túneles.

 

Marshall y DeLuca siempre supieron que querían un gran número de baile masculino que resultara impactante y cuyas estrellas serían Jack y todos los faroleros. Se decidió desde el principio que iluminar el camino para Mary Poppins y los niños, tanto literal como simbólicamente, sería la razón de ser de la canción. Marshall dice: “John y yo estábamos deseando hacer ese gigantesco número porque está en nuestro ADN”.

 

“Este número rinde homenaje a los números de los musicales a gran escala de la edad de oro del género”, dice Blunt. “Mary y los niños se pierden en la niebla y los faroleros les alumbran para que puedan llegar a casa. Es una metáfora preciosa. Pero como era de esperar, en medio de ese paseo para llegar a casa, ¡hay un gran número de baile!”

 

El set tenía cinco niveles diferentes, una fuente ornamentada de tres niveles, un puente y un invernadero. Todos se construyeron en el Plató A y se decoraron con 25 farolas híbridas de gas y electricidad. Cinco cámaras capturaban la anchura y el alcance de la acción, incluida una cámara fija, dos grúas, una cámara aérea y una dolly.

 

La coreografía incorporaba objetos propios de los faroleros como farolas, bicicletas, postes de luz y escaleras, que se convirtieron en elementos del número. Se elaboraron 28 farolas a medida para el número de baile, con plataformas giratorias para facilitar los giros y también 18 escaleras de farolero hechas de metal, caucho y madera.

 

Además de la compleja coreografía realizada por los bailarines que exigía un gran esfuerzo físico, se realizan muchísimas acrobacias de forma simultánea. Con ese fin se compraron 100 bicicletas modernas de BMX y se envejecieron. “Las bicicletas BMX son geniales porque tienen un aspecto muy contemporáneo”, dice Marshall.

 

En esta película el supervisor de efectos visuales Matt Johnson se enfrentó a un gran número de retos. Él y su equipo utilizaron una combinación de muchos estilos de trabajo de VFX y crearon efectos preciosos al gusto del público actual. Al haber trabajado con Marshall en “Into the Woods”, estaba familiarizado con su manera de trabajar. “Rob proviene del mundo de Broadway y le gusta que todo suceda en el set en tiempo real con el reparto y la música. De esa forma se asegura de que todo funciona a la perfección”, dice Johnson. “Esto significaba que teníamos que limitar el uso de juguetes técnicos como Digi-Doubles, Robomoco y fotografía multi-pass y encontrar formas de realizar gran parte del trabajo de efectos durante el rodaje en directo”.

 

Algunas partes de la escena de la Feria de Primavera en la que el reparto flota en el cielo con globos mágicos (más de 600 globos de 40 cm rellenos con helio), se rodaron tanto en la localización física como en los platós. Los actores usaron arneses para que pudieran levantarlos unas grúas enormes delante de fondos de localizaciones de la época y pantallas azules.

 

Al final del rodaje, las compañías de efectos visuales Framestore, Cinesite y Luma Pictures se pusieron a trabajar. Hicieron de todo, desde borrar digitalmente cualquier estructura moderna visible en el fondo de las tomas exteriores de Londres, hasta crear digitalmente los paisajes de Londres y ampliar la Calle del Cerezo.

 

~ Creando nuevos looks para los personajes ~

Sandy Powell formó un equipo para diseñar y elaborar los trajes, que incluía: artistas textiles (estampadores y pintores), sombrereros, joyeros, zapateros, modistas,  limpiadores, administradores, supervisores y miembros del equipo que proporcionaron elementos de atrezzo y supervisaron la continuidad.

 

La aclamada diseñadora de vestuario comenzó a trabajar en la película en septiembre de 2016, estudiando y buscando información en fotografías antiguas de la ciudad y anuncios de moda. Creó 448 trajes originales en los nueve meses siguientes.

 

 

“No hay nadie como Sandy Powell”, dice el productor Marc Platt. “Entiende al personaje, entiende la narrativa, tiene una intuición fantástica para los colores además de una imaginación desbordante. Y cuando combinas todo esto, el resultado son unos trajes muy originales e irrepetibles”.

 

Como la historia se desarrolla en el Londres de la Gran Depresión, el director Rob Marshall quería que el mundo representado en la pantalla reflejara el ambiente y la época o, en las palabras de Powell: “pareciera realmente invernal, oscuro, gris y con niebla, es decir tal y como es Londres en invierno”. El director de fotografía Dion Beebe quería iluminar los sets interiores con tonos cálidos y los exteriores con colores fríos y muchos azules. Así que Powell diseñó una paleta de colores con tonos y colores oscuros para casi toda la cinta. Hacia el final de la historia, cuando llega la primavera, la paleta de colores se amplió para tonos pastel y colores más frescos y florales.

 

Powell intenta asociar colores y siluetas concretas a los personajes individuales para que sean fácilmente reconocibles, citando el icónico look Mary Poppins cuando llega en la primera película como ejemplo. “Recuerdo muy bien su silueta con el sombre y el abrigo ajustado que le llegaba justo por encima de los tobillos y que dejaba ver sus pequeños pies”.

 

Ese look, que a su vez se inspiró en las ilustraciones de Mary Shepard en los libros originales de PL Travers, era el estilo de vestir de las niñeras en aquella época. En “El Regreso de Mary Poppins”, Powell deseaba diseñar algo similar, pero que se ajustara más a los años 30. Quería que la excéntrica niñera tuviera un look más moderno pero sin perder la esencia del personaje en la primera película.

 

“El look que tiene cuando llega es sin lugar a dudas el traje más importante de toda la película porque es el que recordará todo el mundo”, dice Powell. “Mary Poppins es una institutriz y, aunque es bastante estricta, tiene un gran corazón. La manera de vestir de Mary Poppins raya la perfección, así que quería que pareciera elegante y sofisticada pero nada frívola”.

 

Y continúa diciendo: “Los colores suaves y florales no concuerdan con el personaje, así que elegí formas y patrones bastante fuertes, audaces y geométricos con telas con muchos zigzags, galones y lunares, que estaban de moda en la época”.

 

 

Blunt hace su entrada como Mary Poppins con una blusa blanca de algodón con lunares, una pajarita roja, una falda de lana azul y un abrigo de lana azul con cintura estrecha y capa. El estilo y la forma del abrigo no son tan diferentes del estilo eduardiano del abrigo que llevaba en la primera película, pero tiene un dobladillo más largo y lleva botones del estilo de los años 1930 creados especialmente para el atuendo.

 

El abrigo y la falda son de un azul más brillante que tiene más profundidad y fuerza. De día se aprecia su color de verdad pero de noche su silueta se ve oscura con el fondo del cielo. Powell le dio al abrigo algunas texturas especiales y, aunque inicialmente tenía una pequeña capa, lo cambió por una capa doble para crear más movimiento, realzar su silueta y acentuar su cintura estrecha. “La forma ha quedado muy bonita. Como sabía que su silueta se vería muy a menudo, quise que quedara perfecta”, añade la diseñadora.

 

En cuanto a sus accesorios, la verdad es que son mínimos. “Mary Poppins no lleva muchos accesorios”, explica Powell. “No lleva joyas porque es una mujer práctica. Pero en aquella época una dama siempre llevaba sombrero, guantes y zapatos a juego, así que sabíamos que debía llevar un sombrero. Rob Marshall quería que fuera un poco excéntrico, como esas margaritas tan graciosas que se ven en la primera película”.

 

Eligió un sombrero tradicional de paja de los años 30 teñido de rojo que combinara con los zapatos. Y lo adornó con un pequeño petirrojo (otro homenaje, esta vez al pájaro animatrónico de la primera película). El petirrojo, que se talló en corcho y tenía un ojo de cuentas y plumas bordadas hechas de hilo de seda, se agarra con un alfiler de sombrero para poder quitarlo y usarlo con otros sombreros (de hecho, Mary Poppins lo usa de una manera diferente en otra parte de la película). Este adorno resultó ser el trabajo más complicado que tuvo que hacer el departamento de vestuario.

 

Cuando llegó el momento de vestir a los personajes de acción real en la secuencia de fantasía del tazón Royal Doulton, Powell decidió pintar los trajes, de forma que los personajes de acción real parecieran personajes en el mundo animado dibujado a mano en 2D. La dificultad estribaba en que había que conseguir que los actores encajaran en ese mundo dibujado a mano y no parecieran fuera de lugar al interactuar con los personajes animados.

 

Durante los siguientes meses, Powell experimentó con diferentes materiales, texturas y pinturas para determinar qué superficies funcionaban mejor con la pintura y qué pinturas funcionaban mejor en esas superficies. Afortunadamente, la película todavía estaba en la etapa de preproducción, así que hubo tiempo para experimentar. Pudo reproducir la moda del siglo XIX en un lienzo (de la misma forma que los personajes pintados en el tazón Royal Doulton). Contó con ocho artistas textiles que pintaron las telas de forma que, aunque eran planos, se veían tridimensionales en la pantalla.

 

Para la escena del Royal Doulton Music Hall en la que Mary Poppins y Jack interpretan “A Cover is Not the Book” en el escenario, ambos van vestidos con trajes pintados de color rosa y morado con un corte y estilo ligeramente masculinos. Blunt lleva chaqueta y corbata de estilo masculino con una falda larga y varias capas de enaguas. Ambos llevan sombreros de bombín a juego y también bastones.

 

 

Sin embargo, el atuendo que Emily Blunt usa durante casi toda la película, así como el número de baile “Trip a Little Light Fantastic” es rojo con un sombrero azul. “No es un abrigo en sentido estricto sino un traje de dos piezas de lana roja con una falda hecha especialmente para bailar”, dice Powell. Blunt lleva el traje con una blusa de algodón, un lazo de seda, un sombrero de paja azul, zapatos de baile azules y guantes azules.

 

Los faroleros de la década de 1930 no llevaban ningún tipo de uniforme ni otro tipo de ropa de trabajo; sólo llevaban sus trajes y sus sombreros viejos. Powell y su equipo diseñaron y elaboraron atuendos originales desde cero para cada farolero, y sus dobles… 120 en total. Pero en el caso de Jack, la diseñadora necesitaba que el personaje de Lin-Manuel Miranda sobresaliera del mar de faroleros. Su look inconfundible, el atuendo que usa en las escenas anteriormente mencionadas con Blunt, es un chaleco de lana roja y un pañuelo con una camiseta azul a rayas debajo de la camisa. “Él consiguió dar vida a la ropa que le di”, afirma Powell riendo.

 

Topsy, la excéntrica prima de Mary Poppins, interpretada por Meryl Streep, trabaja en una desordenada y caótica tienda donde se arreglan cosas y que pone boca abajo el “Segundo Miércoles” de cada mes. Powell quería que su vestuario hablara de su trabajo y de su extravagante tienda y hacerlo lo más colorido, divertido y estiloso posible. “Como referencia, vi fotografías de damas excéntricas de cierta edad”, dice. “Mujeres británicas como Edith Sitwell y Nancy Cunard y mujeres estadounidenses como Iris Apfel y otras señoras que se vestían de forma muy colorida y audaz con toneladas de maquillaje y una filosofía de ‘Me da igual lo que digan’”.

 

Basó su look en un pijama art deco de los años 20 y creó un top de corte oriental con pantalones holgados hechos de terciopelo de seda y crêpe de seda. El departamento de vestuario tardó muchísimo tiempo en elaborarlo. Ocho personas pasaron cinco semanas realizando los estampados y pintando a mano el patrón en la tela antes de crear seis versiones idénticas.

 

En lo que se refiere a los accesorios, Topsy es el polo opuesto de Mary Poppins. Lleva 12 pulseras compuestas de relojes y esferas de relojes y un collar hecho con artículos que tendría en su tienda, como lápices, pinceles y bobinas para máquinas de coser.

 

~ La animación clásica ~

Para las aventuras sobrenaturales que viven los niños Banks con Mary Poppins, el director Rob Marshall decidió utilizar el estilo tradicional de animación dibujada a mano para crear secuencias de fantasía porque quería que el público recordara la primera película. La animación clásica en 2D es un arte en vías de desaparición, así que esta era una oportunidad única para insuflar vida a una manifestación artística clásica a la vez que se rendía homenaje a la primera película.

 

Se contó con más 70 animadores para diseñar y crear las secuencias animadas de acción real entre los que están algunos de los mejores animadores 2D de Walt Disney Animation Studios y Pixar, muchos de los cuales abandonaron su retiro para trabajar en la secuela de un título tan clásico de Disney. Los animadores trabajaron 16 meses en el Duncan Studio de Pasadena para realizar la animación.

 

 

“Algunos de los artistas tenían 70 años y más y les gustaba tanto la animación clásica dibujada a mano que no podían dejar esta oportunidad”, dice el supervisor de secuencias de animación Jim Capobianco. Y añade: “Pero también contamos con gente relativamente nueva en el sector, así que tuvimos a un maravilloso grupo de animadores trabajando juntos para crear esta animación de la vieja escuela”.

 

Y continúa diciendo: “Puedes sentir la magia y el arte en la pantalla, y es la misma magia que sentiste tan visceralmente en la primera película, pero la animación en 2D no estuvo exenta de dificultades. Nadie consigue el nivel de animación 2D que hicimos en esta película. Combinamos este mundo tridimensional con un mundo bidimensional e intentamos hacerlo creíble, lo que no es nada fácil”.

 

“Lo que hicimos fue crear un mundo a partir de los libros de PL Travers, con animales de la vida real que tienen personalidades y voces y son muy característicos de ese mundo”, dice el productor Marc Platt. “Hay un tazón de porcelana Royal Doulton que es una reliquia de la familia Banks con un dibujo. Los niños y Mary literalmente se lanzan en ese tazón a un mundo mágico animado”.

 

Los recientes avances en tecnología ofrecieron a los realizadores la oportunidad de combinar la animación tradicional con las herramientas modernas 3D permitiendo que la cámara se moviera en todos los entornos digitales y dibujados a mano.

 

Al igual que en los musicales que había dirigido antes, Marshall realizó las secuencias animadas como lo hubiera hecho en cualquier película. Primero se rodó la acción real con un fondo verde, con el reparto principal interactuando con actores y bailarines vestidos con trajes verdes de pies a cabeza.

 

En las escenas del tazón Royal Doulton, todos los personajes con los que interactúan Mary Poppins, Jack y los niños son animales. Por lo tanto, se utilizaron figuras de tamaño natural, incluida una jirafa de 6 metros, durante el rodaje para dar a los actores, en particular a los niños, un punto de referencia. Los entornos animados de fondo, que eran más dinámicos y con mayor profundidad, se insertaron más tarde en posproducción.

 

En estas secuencias, Marshall y DeLuca tuvieron la oportunidad de hacer un gran número musical al estilo de Broadway en un mundo completamente animado. Y lo hicieron con “A Cover is Not the Book”, interpretada por Jack y Mary Poppins en el escenario del Royal Doulton Music Hall. Toda la iluminación de la secuencia es real, como lo sería en cualquier producción teatral; después se replicó en la animación 2D.

 

Platt afirma: “Creo que todos los que estábamos en el set teníamos la impresión de formar parte de algo muy especial. Nos encantaba el trabajo que estábamos haciendo. Y aunque trabajamos muy duro, lo hicimos con enorme placer. Y eso gran parte se debe a que estábamos a las órdenes de Rob Marshall”.

 

 

 

 

 

~ Sólo podemos ir hacia arriba ~

Llevar a la pantalla grande “El Regreso de Mary Poppins”, una película musical original, fue una tarea gigantesca.  Rob Marshall y su equipo enfrentaron numerosos desafíos, desde elaborar una nueva historia sobre la siguiente generación de la familia Banks hasta crear música nueva que pareciera fresca pero con elementos nostálgicos.

 

El autor PL Travers creó un mundo donde hay cosas mágicas que podían suceder en la vida cotidiana hace más de 80 años, y Rob Marshall cree firmemente que este es un momento perfecto para que el público regrese a ese mundo. “El mundo atraviesa un momento muy delicado”, dice. “Las personas se sienten inseguras y vulnerables, así que es importante tener algo que nos saque de nuestra existencia cotidiana y que nos recuerde que en el mundo sigue habiendo esperanza y cosas con las que maravillarse”.

 

“La diversión, la magia, el optimismo, la emoción, la esperanza y la alegría que aporta Mary Poppins son las mismas cosas que buscamos en nuestras vidas hoy en día”, dice el productor Marc Platt. “Queremos sentirnos bien, que nos transporten a otros mundos y nos entretengan. Queremos que nos lleguen al corazón. Queremos reír y queremos llorar. Y ‘El Regreso de Mary Poppins’ nos ofrece todo eso”.

 

~ El reparto ~

La capacidad transformadora y las versátiles interpretaciones de EMILY BLUNT (Mary Poppins), ganadora del Globo de Oro®, la convierten en una de las actrices más solicitadas del momento. Blunt protagonizó recientemente el thriller de terror moderno de Paramount/Platinum Dunes titulado “Un lugar tranquilo”, junto a John Krasinski, que también escribió y dirigió la película. La película se estrenó en abril recaudando 50 millones de dólares el primer fin de semana y superó la marca de los 300 millones en las taquillas de todo el mundo. “Un lugar tranquilo” también recibió excelentes críticas, obteniendo una calificación del 95% en Rotten Tomatoes.

 

Blunt acaba de terminar el rodaje de “Jungle Cruise” de Disney, junto a Dwayne Johnson. La película, basada en la atracción clásica del parque temático, está dirigida por Jaume Collet-Serra y llegará a los cines en julio de 2020.

 

En 2016, Blunt recibió elogios de la crítica por su interpretación de Rachel Watson, una alcohólica atrapada en un misterioso asesinato, en la adaptación cinematográfica de la novela superventas de Paula Hawkins, “La chica del tren”. Su actuación le valió nominaciones al SAG® y al BAFTA. Blunt también recibió excelentes críticas por su interpretación de la agente del FBI Kate Macer en “Sicario” de Denis Villeneuve, que se centra en la escalada bélica contra las drogas que se estrenó en el Festival de Cine de Cannes con gran éxito. Anteriormente, Blunt recibió una nominación a los Globos de Oro® y excelentes críticas por su papel de la esposa de Baker en la adaptación cinematográfica de Rob Marshall del musical “Into the Woods” que Disney estrenó en diciembre de 2014.

 

Otras películas notables incluyen: “Las crónicas de Blancanieves: El cazador y la reina del hielo”, “Al filo del mañana”, “La pesca del salmón en Yemen”, “Looper”, “El amigo de mi hermana”, “Arthur Newman”, “Destino oculto”, “El hombre lobo”, “La reina Victoria”, por la que recibió nominaciones al BAFTA y al Globo de Oro®, “La guerra de Charlie Wilson”, “Sunshine Cleaning”, “El diablo viste de Prada”, por la cual recibió nominaciones al BAFTA y los Globos de Oro y “Mi verano de amor”.

 

Emily Blunt inició su carrera en el Festival de Chichester de 2002, donde interpretó a Julieta en una producción de “Romeo y Julieta”. Su debut en los escenarios de Londres fue una producción de “The Royal Family”, junto a Dame Judi Dench. Además del Globo de Oro® que ganó por la película para televisión de la BBC “La hija de Gideon”, Blunt fue nominada a otros cuatro Globos de Oro así como a dos BAFTA y dos de Premios del Cine Independiente Británico.

 

LIN-MANUEL MIRANDA (Jack) es un premiado compositor, letrista e intérprete, y en 2015 recibió un Premio de la Fundación MacArthur. Su musical actual, “Hamilton” -con libreto, música y letra de Miranda- en el que además es el actor protagonista, se estrenó en Broadway en 2015. “Hamilton ” recibió en 2016 el Premio Pulitzer de Teatro y obtuvo 16 Nominaciones a los premios® a los Premios Tony®, ganando 11, incluidos dos para Miranda al Libreto y la Banda Sonora de un Musical. La grabación de “Hamilton” con el reparto original de Broadway ganó el Grammy en 2016 al mejor álbum de teatro musical. Tanto Miranda como “Hamilton” ganaron los premios Drama League en 2016 a la interpretación más destacada y a la excepcional producción de un musical, respectivamente.

 

“Hamilton” registró un lleno total en el Off-Broadway cuando se representó en The Public Theater por lo que recibió el record de 10 Premios Lortel, así como tres Premios Outer Critic Circle, ocho Premios Drama Desk, el Premio del Círculo de Críticos de Teatro de Nueva York al mejor musical nuevo, y OBIE a la mejor nueva obra estadounidense. El material del espectáculo se vio en primicia en la Casa Blanca durante su primera Evening of Poetry & Spoken Word en 2009, en 2012 durante la American Songbook Series en el Lincoln Center Theater y durante la Powerhouse Theatre Season de New York Stage and Film de 2013 en el Vassar College. La producción de Chicago de “Hamilton” se estrenó en octubre de 2016, con una primera gira nacional y su representación en Londres, que se estrenaron ambas en  2017. La producción de Londres ganó 7 premios Oliver en 2018, incluyendo el de Mejor Nuevo Musical y el Logro Sobresaliente en Música para Miranda y el orquestador Alex Lacamoire. “The Hamilton Mixtape”, un álbum conceptual inspirado en la banda sonora del musical en el que participaron los mejores raperos y músicos de la industria de la música, se publicó el 2 de diciembre de 2016. Miranda recibió un Premio MTV VMA en 2017 en la categoría de Mejor Lucha contra el Sistema por el “Inmigrants (We Get the Job Done)” del álbum “The Hamilton Mixtape”.

 

El primer musical de Broadway de Miranda, “In the Heights”, recibió cuatro Premios Tony® en 2008 (mejor orquestación, mejor coreografía y mejor musical), y Miranda recibió un Tony a la Mejor Banda sonora, así como una nominación al Mejor Actor Protagonista de un Musical. “In the Heights” también se llevó a casa un GRAMMY® en 2009 por el Álbum de su Reparto Original en Broadway fue uno de los finalistas del Premio Pulitzer de 2009 en la Categoría de Teatro. En 2016, Miranda ganó el Premio Olivier por sus Logros en la Música por la producción Original de Londres de “In The Heights”. En el off-Broadway, “In the Heights” recibió un premio Drama Desk por la Destacada Interpretación Coral, el premio Lucille Lortel y el premio Outer Critic’s Circle al Mejor Musical y Miranda recibió un premio Obie por su Música y Letras.

 

 

Miranda es el co-compositor (con Tom Kitt), y co-letrista (con Amanda verde) de “Bring it On: The Musical” representado en Broadway (nominación al Tony® en 2013 al mejor musical, nominación al Drama Desk en 2013 a la mejor letra). Compuso nuevas canciones al revival de Stephen Schwartz “Working” y para las traducciones al español del revival de 2009 en Broadway de “West Side Story”. En 2014, Miranda recibió un Premio Emmy® con Tom Kitt por su canción, “Bigger”, en los 67 Premios Tony®. Miranda hizo la música, las letras y puso su voz a varias canciones del largometraje de Disney “Vaiana”, lo que le valió una nominación al Oscar® y al Premio GRAMMY® por la canción original, “How Far I’ll Go”.

 

Miranda interpretó en 2012 a Charley Kringas en la producción de City Center Encores! de “Merrily We Roll Along” y se puede escuchar la grabación del reparto que publicó PS Classics en 2012. También apareció en la producción de “tick, tick… BOOM!” del City Centre Encores! en 2014 haciendo el papel de Jonathan.

 

Miranda ha recibido la Medalla de Honor del National Arts Club y el Premio Richard Rodgers New Horizons que concede la Fundación ASCAP. Es miembro del Consejo del Dramatists Guild y fue contratado por el alcalde Bill de Blasio para dirigir el Theater Subdistrict Council de Nueva York en 2015. El 8 de julio de 2016, Miranda y Jennifer Lopez lanzaron el single benéfico “Love Makes the World Go Round” como tributo a las víctimas del tiroteo que tuvo lugar en un club nocturno de Orlando en 2016. Ha seguido plantando cara a la tragedia con la música, formando equipo con los compositores Benj Pasek y Justin Paul y el ganador del Tony® Ben Platt en “Found/Tonight”, que apoya la March for Our Lives Initiative.

 

Miranda ha apoyado activamente las ayudas a Puerto Rico después del paso del huracán María en septiembre de 2017, creando el single benéfico “Almost like Praying” y lanzando su Remix de Salsa, a beneficio del Fondo UNIDOS de la Federación Hispana, para ayudar a la recuperación de la isla.

 

Es co-fundador y miembro del Freestyle Love Supreme, un grupo de improvisación de hip-hop que ha hecho giras en el Festival Fringe de Edimburgo, así como en los Festivales de Comedia de Aspen, Melbourne y Montreal y que ahora se representa en Nueva York. La serie de televisión del mismo nombre del grupo se estrenó en Pivot TV en 2014.

 

Miranda prestó su voz a las grabaciones de audiolibros de “The Brief Wondrous Life of Oscar Wao” de Junot Díaz, y “Aristotle and Dante Discover the Secrets of the Universe” de Benjamin Alire Saen. Entre sus trabajos en el cine y la televisión cabe destacar: “The Electric Company”, “Barrio Sésamo”, “Los Sopranos”, “House”, “Modern Family”, “Polar Bears”, “Do No Harm”, “Smash”, “Cómo conocí a vuestra madre”, “Inside Amy Schumer”, “Difficult People”, “Hamilton’s America”, “Saturday Night Live” (actor invitado nominado al Emmy® en 2017), “Drunk History. El lado borroso de la historia”, “Patoaventuras”, “BoJack Horseman”, “Larry David (Curb Your Enthusiasm)”, “La extraña vida de Timothy Green”, “200 Cartas”, “Speech and Debate” y “Vaiana”. Se licenció en 2002 por la Universidad de Wesleyan. Vive en Nueva York con su esposa, sus hijos y su perro.

 

 

 

Después de graduarse en la Real Academia de Arte Dramático en la primavera de 2003, BEN WHISHAW (Michael Banks) apareció en “El intruso”, una adaptación cinematográfica de la novela de Ian McEwan dirigida por Roger Michell y en “Layer Cake (Crimen organizado)”, un largometraje dirigido por Matthew Vaughn. Ese mismo año protagonizó el popular drama de comedia “The Booze Cruise” para ITV.

 

Whishaw debutó en el West End en el National Theatre en la adaptación teatral de “His Dark Materials” de Phillip Pullman y encarnó a Hamlet en la versión “juvenil” eléctrica de Trevor Nunn en la obra en el Old Vic, por la que recibió el aplauso de la crítica y una nominación al Premio Olivier (2005).

 

Fue durante esa función que el productor de “El Perfume. Historia de un asesino” Bernd Eichinger y el director Tom Tykwer descubrieron el extraordinario talento de Whishaw. Encarnó a Grenouille, el protagonista, en la aclamada cinta “El Perfume. Historia de un asesino”, que se estrenó en el Reino Unido en diciembre de 2006. También rodó el largometraje “Stoned”, donde interpretó a Keith Richards de los Rolling Stones, estrenado en 2006. Ese mismo año, Whishaw terminó el rodaje de “I’m Not There”, la película de Todd Haynes que cuenta la vida de Bob Dylan, junto a Cate Blanchett, Richard Gere y Christian Bale. Encarna al joven y poético Dylan que se vio en las pantallas en el otoño de 2007. También apareció en televisión en “Nathan Barley”, del director Chris Morris para TalkBack Productions. Whishaw regresó al teatro para la versión que hizo de Katie Mitchell de “La gaviota” en el National Theatre en el otoño de 2006, que también le valió excelentes críticas.

 

Whishaw apareció en “Retorno a Brideshead”, que se estrenó con gran éxito en septiembre de 2008. En la película, Whishaw encarnaba a Sebastian Flyte, un joven y problemático aristócrata. El proyecto fue dirigido por Julian Jarrold y producido por Robert Bernstein. En 2008, Whishaw también protagonizó la popular miniserie de la BBC “Juicio a un inocente (Presunto culpable)”, papel por él que recibió el premio al Mejor Actor en los Premios de la Royal Television Society de 2009, al Mejor Actor en los Premios Emmy Internacionales de 2009 y una nominación a Mejor Actor en los BAFTA Television Awards de 2009. En 2008 Whishaw también protagonizó “El idiota” en el National Theatre.

 

2009 fue otro año de mucho trabajo Whishaw, ya que interpretó al poeta John Keats en “Bright Star”. La película contaba la relación de Keats con Fanny Brawne, interpretada por Abbie Cornish. Después, Whishaw fue el protagonista en el Royal Court Theatre de la obra de Mike Bartlett titulada “Cock”, una historia que aborda con sinceridad la sexualidad de un hombre y las dificultades que surgen cuando se da cuenta de tiene opciones. Más tarde, Whishaw encarnó a Ariel junto a Helen Mirren y Russell Brand en “La tempestad”.

 

Después se convirtió en Freddie Lyon en “The Hour” para la BBC, junto a Dominic West y Romola Garai. A este trabajo le siguió el papel protagonista junto a James Purefoy y Patrick Stewart de la adaptación que hizo la BBC de “Ricardo II” de Shakespeare, que se estrenó en el verano de 2012 y le valió un TV BAFTA. Whishaw sustituyó a John Cleese como el nuevo Q en las películas más recientes de Bond, incluyendo “Skyfall”, junto a Daniel Craig y Ralph Fiennes. “El atlas de las nubes” se estrenó a principios de 2013 y Whishaw fue uno de los protagonistas junto a un reparto estelar que incluía a Tom Hanks, Jim Sturgess y Halle Berry. También se subió al escenario con Judi Dench en “Peter and Alice”, que recibió excelentes críticas.

 

En 2013, Whishaw interpretó el personaje oscuro y trágico de Baby en “Mojo” de Jez Butterworth en el West End. En 2014, fue el protagonista de la sensacional película independiente “Lilting”, y también interpretó el papel principal de Paddington Bear en la película familiar de enorme éxito “Paddington”.

 

Whishaw protagonizó junto a Eddie Redmayne “La chica danesa” que se estrenó en el Festival de Cine de Venecia en 2015. En el otoño de 2015 pudimos verle junto a Meryl Streep, Helena Bonham Carter y Carey Mulligan en “Sufragistas”, retomando el papel de Q en la película de Bond, “Spectre”, dirigida por Sam Mendes, y protagonizando junto a Colin Farrell y Rachel Weisz el thriller de ciencia ficción, “Langosta”, producida por el BFI (Instituto de Cine Británico).

 

En noviembre de 2015, Whishaw también fue el protagonista del nuevo drama de espías de la BBC, “London Spy”. Después, interpretó a Herman Melville en “En el corazón del mar” de Warner Bros. A finales de 2015 Whishaw se subió a  escenarios con el “Bakkhai” en el Teatro Almeida y a continuación se trasladó a Nueva York para aparecer en la versión de Broadway de la obra de Arthur Miller “Las brujas de Salem” a principios de 2016.

 

En 2017, Whishaw retomó su papel en “Paddington 2”. También regresó al Teatro Almeida para aparecer en “Against”, e interpretó “Julio César” en el Teatro The Bridge. A principios de ese año, Whishaw protagonizó “A Very English Scandal”, junto a Hugh Grant. Actualmente está rodando “The Personal History of David Copperfield” de Armando Ilannmucci.

 

EMILY MORTIMER (Jane Banks) es una actriz maravillosa dotada de un enorme talento. Sigue poniéndose a prueba en una amplia variedad de papeles y su presencia en la pantalla cautiva al público de todo el mundo.

 

Hace poco, Mortimer protagonizó “La librería” de Isabel Coixet, junto a Bill Nighy y Patricia Clarkson. Basada en la novela de Penelope Fitzgerald, la película cuenta la historia de una viuda de mediana edad (Mortimer), que decide abrir una librería con la oposición local -correcta pero despiadada- en la Inglaterra de los años 1950. La película, que logró el aplauso de la crítica, recibió tres premios Goya: Mejor película, mejor director y mejor guion adaptado. Mortimer también apareció en “The Party” de Sally Potter, junto a Timothy Spall, Kristin Scott Thomas y Patricia Clarkson y en “Write When You Get Work” de Stacy Cochran, que se estrenó en el Festival de Cine SXSW de 2018.

 

Antes, vimos a Mortimer en la segunda temporada de “Doll & Em” para HBO, co-escrita y co-protagonizada por Dolly Wells, su mejor amiga de la vida real. La serie de seis episodios, aclamada por la crítica, es una comedia de media hora con Emily y Dolly protagonizando versiones ligeramente ficticias de sí mismas. Como su amistad casi había terminado en la primera temporada después de que Emily contratara a Dolly para que fuera su asistente personal en Los Ángeles, las dos mujeres intentaron reavivar su admiración mutua en la segunda temporada encerrándose en un faro para escribir una obra, que esperaban producir en Broadway o, al menos, en el off-Broadway. Después de conseguir que la leyenda del ballet Mikhail Baryshnikov les facilitara una sala y que Olivia Wilde y Evan Rachel Wood aceptaran interpretar a las protagonistas de la obra, Doll y Em se pusieron manos a la obra para preparar la función. Pero como siempre, la vida se interpuso en su camino. Doll se hartó de vivir en el sótano de la casa de la familia de Em, Em se desentendió del tema debido a una atractiva oferta cinematográfica y Wood y Wilde empezaron a perder la fe en el proyecto cuando las dos creadoras comenzaron a reescribir la obra para reflejar los problemas que surgían entre sí.

 

A lo largo de su carrera, Mortimer ha trabajado con algunos de los directores más legendarios del cine actual, como Martin Scorsese y Woody Allen. Mortimer colaboró por segunda vez con Martin Scorsese, junto a Sacha Baron Cohen, en “La invención de Hugo”, que recibió 11 nominaciones al Premio de la Academia® y se llevó a casa cinco. Anteriormente había trabajado con Scorsese en el thriller que fue un éxito de taquilla, “Shutter Island”, junto a Leonardo DiCaprio.  Mortimer también protagonizó “Match Point”, una de las películas más populares de Woody Allen en los últimos 10 años, por la que recibió excelentes críticas.

 

El trabajo que lanzó a la fama a Mortimer fue la película de Nicole Holofcener, “Lovely & Amazing”, junto a Catherine Keener. La película cosechó excelentes críticas y un Premio Independent Spirit a la Mejor Actriz de Reparto. Después protagonizó la cinta de David Mackenzie, “Young Adam”, junto a Ewan McGregor y Tilda Swinton, y ganó nominaciones a la Mejor Actriz Británica en los Premios Empire, así como a la Mejor Actriz Británica en un Papel Secundario en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Londres. Después de eso, protagonizó junto a Ryan Gosling la comedia nominada al Oscar®, “Lars y una chica de verdad”.

 

Otros de sus créditos en el cine son: “El sentido de un final” (2017) de Ritesh Batra; “Spectral” de Nic Mathieu; Rio, eu te amo” de Paolo Sorrentino; “Leonie” de Hisako Matsui; “Our Idiot Brother” de Jesse Peretz junto a Paul Rudd, Elizabeth Banks y Zooey Deschanel; Transsiberian” de Brad Anderson, junto a Woody Harrelson y Ben Kingsley; “Cinturón rojo” de David Mamet; “Querido Frankie”, junto a Gerard Butler, que le valió una nominación a los Premios de los Críticos de Cine de Londres; “Asuntos de familia (City Island)”, junto a Andy García; “Harry Brown”, junto a Michael Caine; “Escándalo con clase (Bright Young Things)” de Stephen Fry; “Trabajos de amor perdidos” de Kenneth Branagh; “Elizabeth” de Shekhar Kapur; “Los demonios de la noche”, con Michael Douglas y Val Kilmer; “Negocios sucios”, con Samuel L. Jackson; “Scream 3″ de Wes Craven; “The Kid (El chico)”, junto a Bruce Willis; y “La Pantera Rosa 1 y 2”, junto a Steve Martin.

 

Mortimer prestó su voz a la secuela de John Lasseter, “Cars 2”, el precioso coche espía británico Holley Shiftwell, así como al personaje de la joven Sophie en la versión en inglés que hizo Walt Disney Studios de “El castillo ambulante”, dirigida por el famoso animador japonés Hayao Miyazaki.

 

Además de sus trabajos en el cine, Mortimer ha protagonizado una serie de proyectos televisivos para la BBC y ha interpretado el papel recurrente de Phoebe, de la que está enamorado el personaje de Alec Baldwin, durante la temporada de 2007 de la exitosa serie NBC “Rockefeller Plaza (30 Rock)”. Otros de sus créditos en televisión incluyen tres temporadas de “The Newsroom” de HBO, creada por Aaron Sorkin y que protagonizó junto a Jeff Daniels.

 

En los escenarios teatrales, los créditos de Mortimer incluyen su debut en el off-Broadway en el Atlantic Theatre del estreno mundial de “Parlor Song” de Jez Butterworth, dirigida por Neil Pepe. En noviembre de 2007, Mortimer fue invitada por Eric Idle (“Monty Python”) para participar en dos funciones especiales de su obra, “What About Dick?”, con un reparto estelar que incluía a Billy Connolly, Tim Curry, Eric Idle, Eddie Izzard y Tracey Ullman. En el teatro, el currículum de Emily también incluye las producciones de “El mercader de Venecia” para el Teatro Lyceum y “The Lights” para el Royal Court.

 

En el ámbito de la producción, Mortimer y su marido, Alessandro Nivola, dirigen King Bee Productions. Más recientemente, estrenaron su última película, “To Dust”, en el Festival de Cine de Tribeca de 2018. La película, protagonizada por Matthew Broderick y Géza Röhrig, cuenta la historia de Shmuel, un cantante de música jasídica del estado de Nueva York, angustiado por la prematura muerte de su esposa y que lucha por encontrar un consuelo religioso mientras en secreto se obsesiona sobre la decadencia de su cuerpo.

 

La productora tiene varios proyectos en fase de desarrollo, incluida la película “El hombre que nunca murió”, que están produciendo junto con Blumhouse Productions. Basada en el libro de William Adler del mismo título, la película es un biopic sobre el héroe popular Joe Hill, cuyo juicio y ejecución fue objeto de un sinfín de especulaciones durante el siglo pasado. King Bee también está produciendo “Respectable”, escrita y dirigida por Louis Mellis en colaboración con los productores Jim Wilson y Ted Hope. Además, King Bee está desarrollando una serie de televisión basada en la novela cómica de Kathy Lette, “The Boy Who Fell to Earth”, sobre su relación con su hijo que padece Asperger.

 

Mortimer nació en Londres, Inglaterra y es hija del famoso escritor Sir John Mortimer.  Asistió a St. Paul’s Girls School en Hammersmith, Londres y estudió inglés y ruso en la Universidad de Oxford.  Actualmente vive en Brooklyn, Nueva York con su marido y sus dos hijos.

 

JULIE WALTERS (Ellen) es una galardonada actriz británica que saltó a la fama con el papel protagonista de “Educando a Rita” en 1983 junto a Michael Caine. Este papel le valió una nominación al Premio de la Academia®, así como un BAFTA y un Globo de Oro® a la mejor actriz. Walters recibió su segunda nominación al Premio de la Academia y ganó un BAFTA por su papel secundario como la profesora de ballet Sra. Wilkinson en “Billy Elliot”, dirigida por Stephen Daldry, en 2000. Walters es conocida internacionalmente por el público joven por su papel en una de las franquicias más exitosas de la historia del cine, interpretando a la Sra. Weasley en siete de las ocho películas de “Harry Potter”.

 

En una carrera que abarca más de 30 años, Walters ha aparecido en innumerables producciones cinematográficas británicas, con éxito de público y crítica como “Titanic Town” de Roger Michell en 1998, “Las chicas del calendario” de Nigel Cole (2003), “Wah-Wah” de Richard E. Grant (2005), “Driving Lessons” de Jeremy Brock (2006), “La joven Jane Austen” de Julian Jarrold (2007), “Mamma Mia!” de Phyllida Lloyd (2008) y “A Short Stay in Switzerland” de Simon Curtis (2009), por la que ganó un Emmy Internacional.

 

Walters también es conocida por sus trabajos en televisión y recientemente ha ocupado el cuarto lugar en la encuesta de la cadena ITV que recoge a las 50 mejores estrellas del público en el Reino Unido.  Uno de sus primeros papeles en la televisión fue en el clásico “Boys from the Blackstuff” (1982), dirigido por Philip Saville, y al que le siguieron una serie de papeles dramáticos y cómicos importantes, incluido “The Secret Diary of Adrian Mole, Aged 13¾”, “G.B.H.”, “The Wedding Gift” y “Pat and Margaret”. A finales de la década de 1990, las producciones incluyeron “Brazen Hussies” de Elijah Moshinsky (1996); “La maldición del rubí” de Brian Percival (2006); así como “Oliver Twist” (1999) de WGBH/PBS, dirigida por Renny Rye; “Los cuentos de Canterbury” de Andy De Emmony (2003); y el papel protagonista de la política Mo Mowlam en “Mo” de Philip Martin. Walters es conocida por el público de la televisión británica por sus colaboraciones con Victoria Wood, apareciendo con ella en las premiadas comedias “Wood and Walters”, “Acorn Antiques”, “Victoria Wood: As Seen on TV” y “Dinnerladies”.

 

Después de estudiar en la Escuela Politécnica de Teatro de Manchester, Walters también ha trabajado en numerosas producciones teatrales: En teatro regional, monólogos y cabaret. “Educando a Rita” (Mike Ockrent, RSC, Donmar Warehouse) la lanzó al estrellato y le valió los premios Variety Club y London Film Critics a la mejor promesa. Después encarnó a Lady Macbeth (Haymarket Theatre Leicester); a Judy en “The Last of the Haussmans” (Howard Davies, National Theatre); “Locos por amor (Locos de amor)” (Sam Shepard, NT Cottesloe Theatre) que le valió una nominación al Premio Olivier a la mejor actriz, y encarnó a Kate en “Todos mis hijos” (Arthur Miller, NT Cottesloe Theatre) que le valió el Premio Olivier 2001 a la Mejor Actriz.

 

En 2013, Walters fue galardonada con el Premio Richard Harris a la contribución sobresaliente de un actor en los Premios Británicos de Cine Independiente, por su extensa aportación a la industria cinematográfica británica. En 2014, Walters recibió el prestigioso BAFTA Fellowship Award. En 2015, Walters regresó a la televisión con el papel de Cynthia Coffin en el drama británico “Indian Summers” para Channel 4. Ese mismo año apareció en la película “Brooklyn” nominada al Oscar®, un papel que le valió una nominación al BAFTA a la mejor actriz de reparto.

 

Walters apareció más recientemente enMamma Mia: Una y otra vez”,Paddington 2″ y “Las estrellas de cine no mueren en Liverpool”, y la veremos próximamente en “Wilde Rose”, junto a Jessie Buckley.

 

PIXIE DAVIES (Annabel Banks) es una actriz inglesa de 12 años que ha protagonizado muchas películas y series de televisión notables. Sus créditos incluyen “Humans” de AMC, “El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares”, “Agu Trot de Roald Dahl”, “La Reina Blanca” y “Utopia”. Su primer papel fue en “El secreto de Crickley Hall”, a la edad de cinco años.

 

A Pixie le encanta cocinar, la moda y el arte, y acaba de empezar el instituto.

 

NATHANAEL SALEH (John Banks) nació en 2006 en Redditch, Worcestershire. Su madre Carey es sacerdote de la Iglesia de Inglaterra y su padre Phil es un director de formación en servicios financieros jubilado. Tiene tres hermanos mayores: Leanne, Matt y Asher.

 

Nathanael comenzó a actuar cuando tenía tres años, cantando canciones y dando recitales a familiares y amigos. A los cinco años, siguió los pasos de su hermano mayor Asher para convertirse en miembro del Playbox Theatre en la Dream Factory de Warwick, Inglaterra. Obtuvo su primer papel un año después interpretando a Brian en “OUT Spells Out”, que cuenta la emigración forzada de niños del Reino Unido a Australia en los años cincuenta.

 

A este le siguieron papeles en varias producciones de Playbox Theater: Lobo Solitario en “Peter Pan” (2014); Flounder en “La Sirenita” (2015); y Chip en “La Bella y la Bestia” (2016).

 

 

A principios de 2015, Nathanael fichó para la Agencia de Teatro Playbox y casi de inmediato comenzó a recibir llamadas para presentarse a diversos castings.  En abril de 2015 fue elegido para interpretar a Arthur Fleabottom en “Juego de tronos” para HBO, apareciendo en dos episodios durante la sexta temporada. En septiembre de 2016 logró el papel de John Banks en “El Regreso de Mary Poppins” de Disney. En mayo de 2018 fue elegido para encarnar a Alex en “Days of the Bagnold Summer” (Stigma Films), y en junio a Jimmy Petifer en “The Snatcher” (Dusthouse Films). Además, ha aparecido en dos cortometrajes: “Drawing a Blank” y “Engagement” (Firewood Pictures).

 

Con el paso de los años, Nathanael se interesó por la danza, obteniendo una serie de títulos IDTA en ballet y danza contemporánea entre 2010 y 2013. También ha trabajado en su formación, sobre todo para trabajar su voz y superado con éxito los exámenes LAMDA en “Speaking Verse & Prose” hasta el Grado 3 con excelentes notas.

 

Además de la interpretación, a Nathanael le encanta el fútbol (es fan del Arsenal), hacer maquetas con Lego; y su pasión más reciente es escribir, dirigir y filmar películas en stop-motion con su iPod y sus luchadores de la WWE. Su próximo proyecto es crear una nueva película de “Doctor Who” en stop-motion. ¡Pero en este momento su mayor ambición es hacer un flip hacia atrás!

 

JOEL DAWSON (Georgie Banks) debuta en la pantalla grande con “El Regreso de Mary Poppins”. Actualmente reside en Londres con sus padres y su hermana pequeño y está en cuarto grado. Le gusta la música, cantar y los acentos, así como Minecraft, Pokémon y “Star Wars”, y de mayor le gustaría ser cantante o actor. Recientemente apareció como extra en “Mamma Mia: Una y otra vez”.

 

COLIN FIRTH (William Weatherall Wilkins) ganador del Oscar, es un veterano del cine, la televisión y el teatro, con un impresionante currículum que abarca más de tres décadas.  Firth ha aparecido en tres películas que han ganado el Premio de la Academia a la mejor película: “El discurso del rey”, “Shakespeare enamorado” y “El paciente inglés”.  En 2011, la interpretación de Firth como el rey Jorge VI en “El discurso del rey” le valió un Premio de la Academia y un Globo de Oro®, un Premio SAG®, un Premio del Cine Británico Independiente, un Premio Critics’ Choice Movie y su segundo premio consecutivo de la Academia Británica de Cine y Televisión (BAFTA). En 2010, ganó el Premio BAFTA y, en 2009, la Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Cine de Venecia por su trabajo en “Un hombre soltero” de Tom Ford.

 

En 2008, Firth protagonizó el éxito de Universal Pictures “Mamma Mia”. La película recaudó más de 600 millones de dólares en todo el mundo y es la octava película más taquillera de todos los tiempos en el Reino Unido. También protagonizó “El diario de Bridget Jones” de Universal Pictures y Working Title y sus secuelas, “Bridget Jones: Sobreviviré” y “Bridget Jones’s Baby”, así como en “Love Actually” de Richard Curtis. En el momento de su estreno, “Love Actually” batió todos los récords convirtiéndose en la comedia romántica más taquillera de todos los tiempos en el Reino Unido e Irlanda y fue el estreno más importante de la historia de la productora Working Title Films.

 

En 2012, vimos a Firth en “El topo” de Tomas Alfredson, junto a Gary Oldman y Tom Hardy. El thriller se basaba en la novela de espías de la Guerra Fría de John le Carré y obtuvo tres nominaciones a los Premios de la Academia®, incluyendo el mejor guion adaptado, y ganó los Premios BAFTA a la mejor película británica y el mejor guion adaptado. En 2013, Firth apareció en “Un largo viaje” de Jonathan Teplitzky, con Nicole Kidman y Jeremy Irvine.  La película se basaba en la historia real de Eric Lomax (Firth), que se había propuesto encontrar a los responsables de su tortura cuando fue prisionero en la Segunda Guerra Mundial.

 

En 2014, lo vimos en “Magia a la luz de la luna” de Woody Allen, que también protagonizó Emma Stone. Ese mismo año, protagonizó “Kingsman: Servicio secreto” de Matthew Vaughn, basado en el aclamado cómic del mismo nombre, donde Firth interpretaba a un agente secreto que recluta y entrena a un avispado niño de la calle para el programa de formación de la agencia. El reparto incluía a Samuel L. Jackson, Michael Caine y Taron Egerton. En 2015, se estrenó “Espías desde el cielo”, la primera película producida y distribuida por Raindog Films, la productora de Firth y su socio Ged Doherty.

 

Firth apareció recientemente en “Genius”, una crónica de la época de Max Perkins como editor de libros en Scribner, donde supervisaba los trabajos de Thomas Wolfe, Ernest Hemingway y F. Scott Fitzgerald. La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín en 2016 y está protagonizada por Kidman, Jude Law, Guy Pearce y Vanessa Kirby. Ese mismo año, Firth retomó su papel de Mark Darcy en “Bridget Jones’s Baby”.

 

Raindog Films también produjo el largometraje anglo-americano “Loving”, inspirado en el documental “The Loving Story” de Nancy Buirski que ganó el Premio Emmy®. Jeff Nichols dirigió y escribió la película que protagonizaron Joel Edgerton, Ruth Negga, Michael Shannon y Nick Kroll. El drama, ambientado en Virginia en 1958, cuenta la historia de Mildred y Richard Loving, una pareja condenada a prisión por su matrimonio interracial. La película se estrenó en noviembre de 2016 y fue nominada en las categorías de mejor actriz y mejor actor en los Globos de Oro®. La película también fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2016.

 

En septiembre de 2017, Firth retomó su papel de Harry Hart en “Kingsman: El círculo de oro”, la secuela de “Kingsman: Servicio secreto”. La película, dirigida por Vaughn, también la protagonizaron Joel Edgerton, Julianne Moore y Mark Strong. La película recaudó 39 millones de dólares en su primer fin de semana y ganó el Premio Empire de ese año en la categoría de mejor thriller.

 

A principios de este año, Firth protagonizó junto a Rachel Weisz y David Thewlis el drama “Un océano entre nosotros”. En la película daba vida a Donald Crowhurst, un navegante que decidió participar en 1968 en la Golden Globe Race, pero las cosas no le fueron bien y optó por engañar a los organizadores del evento sobre su verdadera posición. Ese verano, retomó el papel de Harry en la icónica secuela musical “Mamma Mia: Una y otra vez” junto a Meryl Streep, Amanda Seyfried, Lily James, Jeremy Irvine y muchos más. También apareció en “The Happy Prince”, una película escrita y dirigida por Rupert Everett, que cuenta los últimos años de Oscar Wilde. La película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de ese año y recibió numerosas reseñas de cuatro y cinco estrellas. Firth también fue productor ejecutivo de la película, que cuenta con Everett, Emily Watson, Colin Morgan y Anna Chancellor en el reparto.

 

Firth terminó hace poco el rodaje de “Kursk”, dirigida por Thomas Vinterberg. La película cuenta el desastre del submarino K-141 Kursk en 2000 y también está protagonizada por Léa Seydoux y Matthias Schoenaerts. “Kursk” se estrenará en la primavera de 2019. Hace poco se anunció que Firth interpretará a Lord Archibald Craven junto a Julie Walters en “The Secret Garden”. Esta última adaptación del libro infantil de 1911 de Frances Hodgson Burnett está dirigida por Marc Munden, ganador del BAFTA, y escrita por Jack Thorne.

 

Otros de sus créditos en el cine incluyen “La joven de la perla”, nominada al Oscar, “Condenados”, “Arthur Newman”, “Cuando ella me encontró”, “And When Did You Last See Your Father?”, “Una familia con clase (Easy Virtue)”, “Genova” de Michael Winterbottom, “Cuento de Navidad”, “La importancia de llamarse Ernesto”, “Lo que la verdad esconde” de Atom Egoyan, “Trauma” el thriller de Marc Evans, “La niñera mágica”, “Un año de sueño para ella”, “Heredarás la tierra” con Michelle Pfeiffer y Jessica Lange, “Apartamento cero”, “Los secretos de la inocencia”, “Amor en juego” de Nick Hornby, “Círculo de amigos”, “El creador de juguetes” y el papel protagonista en “Valmont” de Milos Forman, junto a Annette Benning.

 

En la pantalla pequeña, Firth es famoso por su papel destacado del Sr. Darcy en la adaptación de “Orgullo y prejuicio” de la BBC, por el cual recibió una nominación al BAFTA al mejor actor y la nominación al Premio Nacional de Televisión al actor más popular.

 

En marzo de 2004, Firth presentó “Saturday Night Live” de NBC. En 2001, fue nominado a un Premio Primetime Emmy® al destacado actor de reparto en la aclamada película de HBO “Conspiracy”, y en 1989 recibió el premio al mejor actor que otorga la Royal Television Society y una nominación al BAFTA al mejor actor por su actuación en “Tumbledown”. Otros de sus créditos en televisión incluyen las películas de televisión de la BBC “Born Equal”, “Donovan Quick”, “The Widowing of Mrs. Holroyd”, “The Deep Blue Sea”, “Hostages” de HBO y la miniserie de la BBC “Nostromo”. Su debut en los escenarios de Londres fue en la producción del West End de “Another Country” en el papel de Guy Bennett. Después fue elegido para interpretar al personaje de Judd en la adaptación cinematográfica de 1984, junto a Everett.

 

Firth fue galardonado con el Premio Humanitario de BAFTA Los Ángeles en sus Premios Britannia 2009. En 2008, fue nombrado filántropo del año por The Hollywood Reporter y, en 2006, fue elegido defensor europeo del año por la Unión Europea.

 

MERYL STREEP (Prima Topsy) lleva casi 40 años interpretando una increíble variedad de personajes en una carrera que abarca el teatro, el cine y la televisión.

 

Streep estudió en el sistema público de New Jersey hasta el instituto. Después se graduó cum laude en el Vassar College y recibió un MFA por la Universidad de Yale en 1975. Inició su carrera profesional en los escenarios teatrales de Nueva York donde no tardó en consagrarse con una actriz versátil y enérgica. Debutó en Broadway tres años después de graduarse, recibió un Emmy® (por “Holocausto”) y su primera nominación a los Oscar® (por “El cazador”). Ha ganado tres premios de la Academia® y, en 2018, en un récord insuperable, obtuvo una nominación al 21º Premio de la Academia por su papel en “Los archivos del Pentágono”. Su actuación también le valió nominaciones a mejor actriz para los Globos de Oro® y los premios Critics’ Choice.

 

 

 

Streep está muy comprometida con el medioambiente a través de su trabajo con Mothers and Others, un grupo que defiende a los consumidores y que cofundó en 1989. M&O lleva diez años trabajando para promover la agricultura sostenible, defender nuevas normas sobre pesticidas y facilitar la venta de productos locales orgánicos y provenientes de la agricultura sostenible.

 

Streep también colabora con Women for Women International, el Comité para la Protección de Periodistas, Donor Direct Action, Women in the World Foundation y Partners in Health.

 

Es miembro de la Academia Americana de las Artes y las Letras, y el gobierno grancés la nombró Commandeur de L’Ordre des Arts et des Lettres y también ha recibido un César honorífico. Recibió el Premio a los logros de toda una vida que otorga el American Film Institute, un premio de la Film Society of Lincoln Center en 2008 y la Medalla Nacional de las Artes en 2010 de manos del presidente Obama. En 2011, Streep recibió un Kennedy Center Honor, y en 2014 la Medalla Presidencial de la Libertad. Tiene doctorados honoríficos de las universidades de Yale, Princeton, Harvard, Dartmouth e Indiana, de la Universidad de New Hampshire, Lafayette, Middlebury y la medalla del Barnard College.

 

Ella y su marido, el artista Don Gummer tienen un hijo y tres hijas.

 

Por una carrera incomparable que ha abarcado más de siete décadas y por la que ha ganado cinco Emmy®, un Tony®, un GRAMMY®, el SAG Lifetime Achievement Award, su incorporación al Salón de la Fama de la Televisión y la adoración de generaciones de fans, DICK VAN DYKE (Sr.Dawes, Jr.) sigue siendo uno de los artistas más populares y queridos de la historia del espectáculo. Ha conquistado Broadway, la televisión, la radio, el cine, los discos, radio, películas, discos, el cuarteto a capella y ha escrito varios libros que han sido bestsellers. Su lista de logros profesionales es incluso más larga que la palabra que ayudó a hacer parte del idioma inglés: ¡Supercalifragilisticexpialidocious!

 

Este eterno joven de 92 años nació el 13 de diciembre de 1925 en West Plains, Missouri, y creció en Danville, Illinois. Durante su estancia en las Fuerzas Aéreas, se dio cuenta que levantar el ánimo de sus compañeros soldados era tan valioso como el combate, así que actuó incansablemente para las tropas y organizó un programa de radio llamado “Flight Time”. Su carrera en la televisión comenzó al principio de ese medio y debutó en 1954. Mientras intentaba abrirse paso en televisión, protagonizó el exitoso musical de Broadway, “Bye Birdie” en 1961. Aunque nunca había bailado en un escenario, su actuación le valió grandes ovaciones y el mayor honor de Broadway: un Premio Tony®.

 

Fichó por CBS, la cadena más prestigiosa de la época, apareció en un gran número de programas, desde concursos hasta noticias de la mañana, pero fue su comedia homónima de 1961, “El Show de The Dick Van Dyke”, lo que afianzó su estatus de superestrella. Creado por Carl Reiner y co-protagonizado por Mary Tyler Moore, el programa sigue siendo una de las comedias más valoradas y populares de todos los tiempos. Durante su exitosa carrera, Van Dyke ganó tres Emmy® al mejor actor protagonista en una serie de comedia y el programa serie ganó el premio a la mejor serie de comedia en cuatro de sus seis temporadas.

 

 

 

Mientras el programa estaba en antena, protagonizó la versión cinematográfica de “Un beso para Birdie” y, en 1964, hizo historia junto a Julie Andrews en el éxito de taquilla internacional de Walt Disney “Mary Poppins”. En esta película, que sigue siendo una de las más entrañables de todos los tiempos, Van Dyke interpretó la canción ganadora del Oscar®, “Chim Chim Chery”.

 

Después de que “El show Dick Van Dyke” finalizara, protagonizó varias películas, en particular “Chitty Chitty Bang Bang” (1968), “El cómico” (1969), “Dick Tracy” (1990) y, en el nuevo milenio, la franquicia de “Noche en el museo”, junto a Ben Stiller.

 

En los años 70 y 80 trabajó en una nueva sitcom, en un programa de variedades, en varias películas populares (incluida la aclamada película para televisión “The Morning After”) y giras nacionales de los musicales “The Music Man” y “Damn Yankees”. Creó el personaje televisivo del Dr. Mark Sloan en “Jake y el Gordo”. El personaje se volvió tan popular que tuvo su propia serie, “Diagnóstico: Asesinato”, que se emitió semanalmente de 1993 a 2001 y que regresó en forma de dos películas para televisión en 2002. El programa también contaba con sus hijos, Barry y Stacy, su hermano Jerry y sus nietos Carey, Shane, Wes y Taryn.

 

Aunque no ha parado de trabajar en el cine y la televisión, en el nuevo siglo mostró su talento como autor de dos bestsellers: sus memorias, “My Lucky Life In and Out of my Show Business” y “Keep Moving: And Other Tips and Truths About Aging”.

 

En 2017, se unió a su querido amigo Carl Reiner y a otros cómicos legendarias nonagenarios, Mel Brooks y Norman Lear, en el documental de HBO, “If You’re Not in the Obit, Eat Breakfast”. En esta película aparecía con su esposa, la bailarina Arlene Silver Van Dyke. Juntos, han hecho videos de YouTube cantando y bailando que han acumulado millones de hits online en todo el mundo.

 

Le encanta cantar con su grupo de armonía a capella, The Vantastiks, y lanzó un nuevo álbum de quinteto de jazz en 2017 titulado “Step Back in Time”. Dick Van Dyke, eternamente joven, con un talento extraordinario y adorado a nivel internacional, ha logrado una carrera con una longevidad envidiable sin dejar de ser el hombre más joven de Hollywood.

 

ANGELA LANSBURY (Vendedora de globos) Ha disfrutado de una carrera extraordinaria. Su carrera abarca ahora más de 76 años durante los cuales ha sido, primero estrella de cine, después estrella de Broadway y del West End con cinco premios Tony® y un Premio Olivier, y también estrella en “Se ha escrito un crimen”, la serie de detectives más larga de la historia de la televisión. Angela Brigid Lansury nació en Londres el 16 de octubre de 1925. Su padre, Edgar Isaac Lansbury, se dedicaba al comercio de la madera. Su madre, Moyna Macgill, era una popular actriz. A los 10 años, vio a John Gielgud en “Hamlet” en el Old Vic y juró que algún día se convertiría en actriz. Asistió a la Escuela de Arte Dramático Webber-Douglas de Londres.

 

Después, la familia se mudó a Los Ángeles, donde Moyna Macgill esperaba encontrar trabajo en el cine.  Pero fue Angela, con 17 años, la que consiguió un contrato de siete años con MGM después de que el director George Cukor la eligiera para encarnar a Nancy, la amenazante doncella, en “Luz que agoniza”. Su excelente interpretación le valió una nominación al Premio de la Academia® en 1944 a la mejor actriz de reparto. Al año siguiente recibió una segunda nominación, nuevamente como mejor actriz de reparto, por su papel de la condenada Sibyl Vane en “El retrato de Dorian Gray”. Ese conmovedor papel conmovedor le valió un Globo de Oro.

 

Lansbury ha aparecido en más de 60 películas hasta la fecha. Su currículum incluye clásicos como “Fuego de juventud”, “Las chicas de Harvey”, “El Estado de la Unión” de Frank Capra, “Sansón y Dalila” de Cecil B. DeMille, “El bufón del rey”, “El largo y cálido verano”, “El mensajero del miedo” (por la que recibió un segundo Globo de Oro®, el Premio del National Board of Review y una tercera nominación al Oscar®), “El irresistible Henry Orient” y “Muerte en el Nilo” (un segundo premio del National Board of Review). En 1991 fue la voz de la Sra. Potts en la película animada de Disney, “La bella y la bestia”, y en 1997 fue la voz de la Gran Duquesa María en la película animada “Anastasia”. En 2005 apareció en “La niñera mágica” de Emma Thompson, y en 2011 protagonizó junto a Jim Carrey “Los pingüinos del Sr. Popper” y la nueva versión animada de “El Grinch” coprotagonizada por Benedict Cumberbatch que se estrena en 2018.

 

“Mame” le valió a Lansbury el primero de sus cuatro premios Tony® a la mejor actriz de un musical.  Recibió los otros como la Loca de Chaillot en “Dear World” (1968), como Mama Rose en el revival de “Gypsy” en 1974 y como la Sra. Lovett en “Sweeney Todd” (1979). En 1978 encarnó a la Sra. Anna en una producción de “El rey y yo”. En 2006, Lansbury apareció en un programa con una sola mujer, “This is on Me: An Evening of Dorothy Parker”, la primera vez en Los Angeles y la segunda en Nueva York. En mayo de 2007, Lansbury regresó a los escenarios de Broadway por primera vez en 23 años con la obra “Deuce” de Terrence McNally que coprotagonizó con Marian Seldes. Recibió una nominación al Tony a la mejor actriz protagonista. En enero de 2009, Lansbury apareció como Madame Arcati en “Blithe Spirit” de Noel Coward en el famoso Teatro Shubert de Broadway, que le valió su quinto Premio Tony a la mejor actriz de una obra de teatro. En diciembre de ese año apareció en Broadway haciendo el papel de Madame Armfeldt en “A Little Night Music”, y en 2012, regresó a Broadway en “The Best Man” de Gore Vidal.

 

En junio de 2013, concluyó una aclamada gira australiana de seis meses de la obra de Alfred Uhry “Paseando a Miss Daisy”, también protagonizada por James Earl Jones y Boyd Gaines. Tuvo tanto éxito que la obra se filmó en directo y se estrenó en cines ese mismo año. En 2015 también se emitió en la American Public Television y se lanzó en DVD. Retomó el papel de Madame Arcati en el Teatro Gielgud en marzo de 2014 lo que marcó su regreso a los escenarios londinenses por primera vez en casi 40 años y recibió un Premio Olivier por su interpretación.

 

Pero su verdadera popularidad le llegó con la televisión. De 1984 a 1996, interpretó a Jessica Fletcher, una detective aficionada en “Se ha escrito un crimen”. En 1992, Lansbury también se convirtió en productora ejecutiva de la serie. Después de que en 1996 “Se ha escrito un crimen” diera por finalizada su carrera histórica de 12 temporadas, Lansbury protagonizó “Mrs. Santa Claus” de Jerry Herman, el primer musical original producido para la televisión en cuatro décadas. En 1997, apareció en “South by Southwest”, la primera de las cuatro películas de dos horas de “Se ha escrito un crimen” para CBS. La segunda, “Se ha escrito un crimen: Una historia de muerte”, se rodó en 2000, seguida por “Se ha escrito un crimen: El último hombre libre” en 2001 y por “Se ha escrito un crimen: El enigma celta” en 2003. Además, en 1998 rodó “La Sra. Pollifax”, que también se emitió en CBS.

 

Lansbury y su esposo Peter se casaron en 1949. Peter disfrutó de una exitosa carrera como agente en la Agencia William Morris y como ejecutivo de producción en MGM. En 1972 renunció a formar su propia compañía, Corymore Productions. Trabajaron juntos hasta la muerte de Peter en enero de 2003. Tiene tres hijos, Deirdre, Anthony y David y tres nietos.

 

~ Los realizadores ~

Las películas de ROB MARSHALL (Director/Productor) han recibido un total de 26 nominaciones a los Premios de la Academia® ganando nueve, incluyendo el Oscar a la Mejor Película. Su película más reciente, “El Regreso de Mary Poppins”, que dirige y produce, está protagonizada por Emily Blunt y Lin-Manuel Miranda.

 

Entre sus trabajos anteriores como director están las películas “Chicago”, ganadora de los Premios de la Academia y “Memorias de una geisha”. Por su trabajo en “Chicago”, ganador de seis Oscar® incluyendo Mejor Película, Marshall recibió el Premio del Sindicato de Directores de Estados Unidos; el Oscar; nominaciones a los Globos de Oro® y al BAFTA; el National Board of Review Award y el New York Film Critics ‘Online Circle Award, ambos al mejor debut de un director; así como el American Choreography Award. Su película épica, “Memorias de una geisha”, ganó tres Oscar, tres BAFTA y un Globo de Oro.  La versión cinematográfica de Marshall del musical “Nine” fue nominada a cuatro Premios de la Academia, cinco Globos de Oro, 10 Premios de la Crítica y un Premio SAG® al mejor reparto. Su película “Piratas del Caribe: En mareas misteriosas”, protagonizada por Johnny Depp y Penélope Cruz, llegó a recaudar más de 1.000 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo. La adaptación de Marshall del musical de Sondheim “Into the Woods”, protagonizada por Meryl Streep, fue nominada a tres Oscar y tres Globos de Oro (incluida a la mejor película), y fue seleccionada como una de las mejores películas del año por el AFI.

 

Marshall fue productor ejecutivo, director y coreografió el espectáculo televisivo de NBC titulado “Tony Bennett: An American Classic”. Ganó su segundo Premio del Sindicato de Directores por esta producción, así como tres Premios Emmy® a la mejor dirección, coreografía de un especial de variedades, musical o comedia. Dirigió y coreografió la película musical de Disney/ABC “Annie”, que recibió 12 nominaciones a los Emmy y ganó el prestigioso premio Peabody. Por su trabajo, recibió un Emmy a la Coreografía y un Premio American Choreography. Recibió el Cinema Audio Society Filmmaker Award, así como el Premio al Colaborador Más Distinguido del Gremio de Diseñadores de Vestuario y el Premio Hamilton.

 

Marshall ha sido nominado en seis ocasiones al Premio Tony® y ha ganado el Premio George Abbott. El trabajo en los escenario teatrales de Marshall incluye producciones de Broadway de: “Cabaret”, “Little Me”, “Victor/Victoria”, “Damn Yankees”, “She Loves Me”, “Company” y “Kiss of the Spider Woman”.

 

DAVID MAGEE (Guionista) es un guionista cuya primera película, “Descubriendo Nunca Jamás”, recibió siete nominaciones a los Premios de la Academia®, incluyendo una al mejor guion adaptado. Otras nominaciones al guion de Magee incluyen un Globo de Oro®, un BAFTA, un Premio del Círculo de Críticos de Cine de Londres y el Premio Humanitas. Su segunda película, “Un gran día para ellas”, estuvo protagonizada por Frances McDormand y Amy Adams.

 

La tercera película de Magee, “La vida de Pi”, dirigida por Ang Lee, recibió 11 nominaciones a los Premios de la Academia®, incluyendo una al mejor guion adaptado. Otras nominaciones del guion incluyeron una segunda nominación al BAFTA y un Premio del Sindicato de Guionistas y en 2013, Magee fue elegido guionista del año por la escuela de cine de la UCLA.

 

“El Regreso de Mary Poppins” es la cuarta película de Magee. Actualmente está escribiendo una fantasía musical sobre Hans Christian Andersen con el compositor Stephen Schwartz (“Wicked”).

 

JOHN DELUCA (Productor) produjo “Into the Woods” de Stephen Sondheim, protagonizada por Meryl Streep. La película fue nominada a tres Oscar®, tres Globos de Oro® (incluida mejor película) y fue elegida como una de las mejores películas del año por el AFI. Por su trabajo, DeLuca también recibió el premio Hamilton Behind the Camera al mejor productor. Fue productor ejecutivo de “Piratas del Caribe: En mareas misteriosas” de Disney, que recaudó más de 1.000 millones de dólares en todo el mundo. Produjo la adaptación cinematográfica del musical de Broadway “Nine”, por la que fue nominado a un segundo Globo de Oro. “Nine” fue nominada a cuatro Premios de la Academia, cinco Globos de Oro, 10 Premios de la Crítica y un Premio SAG® al mejor reparto.

 

DeLuca fue coproductor, director de la segunda unidad y coreógrafo de la película ganadora del Premio de la Academia® “Memorias de una geisha”, y colaboró con Rob Marshall en su película ganadora del Premio de la Academia “Chicago”. Fue galardonado con el American Choreography Award por ambas películas. Ganó dos Emmy® como productor ejecutivo y coreógrafo del especial de televisión de NBC “Tony Bennett: An American Classic”, que fue galardonado con siete premios Emmy.

 

DeLuca realizó la coreografía de los “75 Premios de la Academia” y de los “Kennedy Center Honors” y también trabajó en la película de Steven Spielberg, “La terminal”. En Broadway, coreografió “Dr. Seuss’ How the Grinch Stole Christmas!” y “Minnelli on Minnelli”. Además dirigió y coreografió “Broadway Sings Elton John” y “Deborah Voight on Broadway”.

 

MARC E. PLATT (Productor) es uno de los pocos productores que ha tenido éxito en los mundos del teatro, el cine y la televisión. Sus proyectos han obtenido un total de 31 nominaciones al Oscar®, 36 nominaciones al Tony®, 24 nominaciones a los Globos de Oro® y 43 nominaciones al Emmy®, y han recaudado más de 5.000 millones de dólares en todo el mundo.

 

Entre las películas de Platt se encuentran “La ciudad de las estrellas (La La Land)” de Damien Chazelle y “El puente de los espías” de Steven Spielberg. Su currículum también incluye: “Hotel Artemis”; “La chica del tren”; “Billy Lynn”; “Ricki”; “Into the Woods”; “Drive”; “Scott Pilgrim contra el mundo”; “Nine”; “La boda de Rachel”; “Se busca”; “Una rubia muy legal”; “Una rubia muy legal 2”; “La vida en una canción”; “Lost River”; “Cuento de invierno”; “2 Guns”; “Siempre a mi lado”; “Vaya par de polis”; “No hay dos sin tres”; “Los seis signos de la luz”; “El hombre perfecto”; “Honey” y “Josie y las melódicas”.

 

 

 

 

En el teatro, Platt produjo el éxito de taquilla “Wicked”, que celebra su 15 aniversario en Broadway este año. La obra la han visto más de 50 millones de fans en todo el mundo y ha recaudado más de 4.000 millones de dólares.  Sus producciones teatrales también incluyen: “The Band’s Visit”, por la que ganó el Tony® al mejor musical; “War Paint”; “Indecent”; “Oh, Hello” en Broadway; “If/Then”; “Pal Joey”; “Three Days of Rain”; y “Eduardo Manostijeras” de Matthew Bourne.

 

En la televisión, Platt ha sido productor ejecutivo de “Jesus Christ Superstar Live in Concert” (NBC), que obtuvo 13 nominaciones a los Emmy. Recibió el Emmy por la producción ejecutiva de “Grease Live!” (FOX). Entre sus producciones de televisión se encuentran: “A Christmas Story Live!” (FOX); “Empire Falls” (HBO); “Taking the Stage” (MTV); “Once Upon a Mattress” (ABC); y “The Path to 9/11” (ABC).

 

Platt, un antiguo director de cine, fue presidente de producción de tres estudios de cine (Orion, TriStar y Universal), donde supervisó éxitos de crítica y público como: “Filadelfia”, “Rudy”, “Mejor… imposible”, “Algo para recordar”, “Jerry Maguire” y “El silencio de los corderos”. En la actualidad reside en Los Ángeles con su mujer Julie Platt.

 

CALLUM MCDOUGALL (Productor) se incorporó a la industria del cine en 1979 y fue escalando puestos desde ayudante de producción, tercero y segundo ayudante del director hasta jefe de unidad de producción. Como jefe de unidad, trabajó en tres temporadas de la aclamada serie de televisión “Las crónicas del joven Indiana Jones” y como jefe de producción de unidad en películas como: “GoldenEye”, “El mañana nunca muere”, “Criaturas feroces”, “101 Dálmatas” y “Triangle”. Durante ese tiempo, también fue ejecutivo encargado de producción en DNA Films trabajando en películas como “Hermosas criaturas”, “Strictly Sinatra (A su manera)” y “The Final Curtain”.

 

Después de ser coproductor de “La playa” y “Muere otro día” y más tarde como productor de la comedia “El agente de la condicional”, McDougall fue productor ejecutivo de “Harry Potter y el prisionero de Azkaban”, “Casino Royale”, “Quantum of Solace”, “Ira de Titanes”, “Skyfall”, y más recientemente del documental “We Are Many”.

 

MARC SHAIMAN (Compositor/Música y co-letrista), un compositor ganador de los premios Emmy® y del Tony, y nominado en cinco ocasiones al Oscar®, ha escrito canciones y bandas sonoras originales para una amplia gama de proyectos de cine, teatro y televisión.

 

Sus trabajos cinematográficos incluyen: “Algo para recordar” (nominación al Oscar); “Patch Adams” (nominación al Oscar); “El club de las primeras esposas” (nominación al Oscar); “El presidente y Miss Wade” (nominación al Oscar); “South Park: Más grande, más largo y sin cortes” (nominación al Oscar); “Beaches”, “Cuando Harry encontró a Sally”, “Cowboys de ciudad”, “La familia Addams”, “Algunos hombres buenos”, “Sister Act (Una monja de cuidado)” y “Ahora o nunca”.

 

Además del musical de éxito “Hairspray”, ganador del Tony®, los créditos de Shaiman en Broadway incluyen: “Martin Short: Fame Becomes Me”, “Catch Me If You Can” y “Charlie and the Chocolate Factory”, que está ensayando para realizar una gira nacional. En el Off-Broadway, ha compuesto música para “The High-Heeled Women”, “Livin’ Dolls” y “Haarlem Nocturne” de André DeShieldds en Lamama.

 

En televisión, Shaiman compuso la música de “The Sweeney Sisters” de SNL y recibió su octava nominación al Emmy® por la canción original “Hang the Moon”, para la serie musical de la NBC “Smash”, que produjo con Steven Spielberg. Shaiman escribió canciones para varias actuaciones televisadas de Billy Crystal, Neil Patrick Harris, Nathan Lane, Jenifer Lewis, Jennifer Hudson, así como Jack Black, Will Ferrell y Bette Midler en la penúltima serie de Johnny Carson “The Tonight Show”. También ha colaborado con Peter Allen, Kristin Chenoweth, Eric Clapton, Christine Ebersole, Diane Keaton, Patti LuPone, Steve Martin, Barbra Streisand, Robin Williams y muchos otros. Co-produjo y arregló grabaciones para Bette Midler y Harry Connick Jr., incluyendo “The Wind Beneath My Wings” y “From a Distance”, y su obra online “Prop 8 – The Musical”. Él y la compositora Mariah Carey recibieron recientemente una nominación a los Globos de Oro® por la canción que da título a la película animada, “The Star”.

 

El letrista, director y guionista ganador de los premios Tony®, GRAMMY® y Olivier SCOTT WITTMAN (co-letrista) coescribió las letras del musical de éxito “Hairspray” (Tony, GRAMMY, ganador del Premio Olivier) con su socio creativo Marc Shaiman. Wittman también fue productor ejecutivo de la exitosa película protagonizada por John Travolta.

 

Fue nominado a un Globo de Oro®, un GRAMMY® y dos Emmy® por las canciones originales del drama musical de NBC “Smash”. Mientras trabajaba en el programa, compuso música para Jennifer Hudson, Uma Thurman, Bernadette Peters y Liza Minnelli. Además, Scott ha escrito nuevas canciones para Nathan Lane, Sarah Jessica Parker, la actuación de Neil Patrick Harris en el “Tony Awards® 2009”, “Rock Bottom” de Bridget Everett en el Public Theater y para el “Divine Intervention Tour” de Bette Midler. Sony Records publicó la banda sonora original de Shaiman y Wittman para el musical de Marilyn Monroe, “Bombshell”.

 

Los créditos de Wittman y Shaiman en Broadway incluyen: “Martin Short: Fame Becomes Me”, que también dirigió; “Atrápame si puedes” (nominación al Tony al mejor musical) y la producción del Drury Lane Theatre londinenses de “Charlie y la fábrica de chocolate”. Wittman ha creado y dirigido dos musicales de Broadway, tres grabaciones de estudio, tres conciertos en el Carnegie Hall con todas las entradas agotadas para Patti LuPone y el espectáculo de cabaret “Café Carlyle” de Christine Ebersole. En el Off-Broadway, concibió y dirigió “Jukebox Jackie”, protagonizada por Justin Vivian Bond, Cole Escola, Steel Burkhardt y Bridget Everett en Lamama.

 

DION BEEBE, ASC, ACS (Director de fotografía) es un director de fotografía australiano que creció en Sudáfrica y cuyos trabajos abarcan tres décadas en numerosos géneros y categorías. Dion se graduó en la Escuela Australiana de Cine, Radio y Televisión y fue nominado por primera vez a un Premio de la Academia® por sus logros en cinematografía por “Chicago” de Rob Marshall. Después ganó el premio por su trabajo en “Memorias de una geisha”.

 

Beebe también ha ganado el BAFTA a la mejor cinematografía en dos ocasiones (“Memorias de una geisha”, “Colateral”) y ha ganado el Premio de la Sociedad Americana de Cinematógrafos (“Memorias de una geisha”). En Australia, ganó seis premios ACS Gold Tripod y recibió el premio Byron Kennedy del AFI. Además de trabajar con los directores Rob Marshall y Michael Mann, Beebe también ha colaborado con los directores Jane Campion, Martin Campbell, Michael Bay, Niki Caro y Doug Liman, entre muchos otros.

 

También es un profesional muy prolífico en el mundo de los videos musicales y anuncios publicitarios, ha filmado videos para Beyoncé, Rihanna, Lana Del Rey y Arctic Monkeys, así como para marcas como Burberry, Guinness, Victoria’s Secret y BMW. Beebe recibió al León de Bronce en Cannes por su trabajo en la campaña de Burberry. Vive en Los Ángeles con su esposa, Unjoo, y su hijo, Axil.

 

JOHN MYHRE (Diseñador de producción) se aficionó al cine a la temprana edad de cinco años al ver la emisión por televisión de los Premios de la Academia®. Recibió una cámara Super 8 como regalo en su séptimo cumpleaños. Después de graduarse en el Nathan Hale High School, estudió cine en el Bellevue Community College, financiando sus estudios trabajando en un cine local. Siguió diseñando carteles de películas y eso le permitió conocer a varios directores de cine. En 1984, cambió su ciudad natal de Seattle por Hollywood para ser ayudante del director de arte en la película de comedia de terror “La noche del cometa”. Desde entonces, ha diseñado docenas de películas de alto perfil, incluidas cinco colaboraciones con el director Rob Marshall, recibiendo un Oscar® para dos de ellos, “Chicago” y “Memorias de una geisha”.

 

Los créditos cinematográficos adicionales de Myhre como diseñador de producción incluyen: “La Gran Muralla”, “X-Men: Días del futuro pasado”, “Piratas del Caribe: En mareas misteriosas”, “Nine”, “Se busca”, “Dreamgirls”, “Ali”, “La mansión encantada”, “Elizabeth”, “X-Men”, “Anna Karenina” e “Inocencia rebelde”.

 

Además de su trabajo en el diseño de producción cinematográfica, Myhre ha diseñado varios proyectos en el teatro y para exposiciones, incluida una importante exposición para el Instituto del Traje del Metropolitan Museum of Art, “The Model as Muse”. Recibió los premios Art Directors Guild por su diseño de producción en “Memorias de una geisha” y por el programa de los “84th Annual Academy Awards®”, así como un Emmy® a la dirección de arte en “Tony Bennett: An American Classic”.

 

SANDY POWELL (Diseñadora de Vestuario) ha ganado tres Premios de la Academia® por su trabajo en “La joven Victoria” de Jean-Marc Vallée, “El aviador” de Martin Scorsese y “Shakespeare enamorado” de John Madden. Ha sido nominada a los Oscar® en siete ocasiones más por su trabajo en “Orlando”, “Las alas de la paloma”, “Velvet Goldmine”, “Gangs of New York”, “Mrs. Henderson Presenta”, “La tempestad” y “La invención de Hugo”. Ha recibido dos Premios BAFTA, por “La joven Victoria” y “Velvet Goldmine”, y también ha sido nominada otras nueve veces. En 2011, Powell fue nombrada Oficial de la Orden del Imperio Británico por sus servicios a la industria cinematográfica.

 

Powell comenzó su carrera en el teatro trabajando con Lindsay Kemp, diseñando “Nijinsky”, “The Big Parade”, “Elizabeth’s Last Dance” y reelaborando trajes para “Flowers, A Midsummer Night’s Dream” y “Mr Punch’s Pantomime”. Ha colaborado durante 25 años con Lea Anderson, coreógrafa y directora de The Cholmondeleys y The Featherstonehaughs. Sus créditos en la ópera incluyen “Rigoletto” para la directora Monique Wagemachers y “Doctor Ox’s Experiment” para el director Atom Egoyan. También ha diseñado “Edward II” para el director Gerard Murphy en el RSC.

 

El trabajo de Powell en “The Irishman” de Martin Scorsese fue su séptima colaboración con el director, ya que anteriormente había trabajado con él en “El lobo de Wall Street”, “Shutter Island”, “Infiltrados”, “El aviador”, “Gangs of New York” y “La invención de Hugo”. También ha colaborado en numerosas ocasiones con el director Neil Jordan (“Juego de lágrimas”, “Entrevista con el vampiro”, “Michael Collins”, “Contracorriente” y “El fin del romance”) y con el director Derek Jarman (“Caravaggio”, “The Last of England”, “Eduardo II” y “Wittgenstein”). Su trabajo también puede verse en “Las hermanas Bolena”, “Sylvia”, “Lejos del cielo”, “La señorita Julia” y “Hilary y Jackie”.

 

Los créditos recientes de Powell incluyen “Cenicienta” de Kenneth Branagh y “Carol” de Todd Haynes. Recibió nominaciones al Premio de la Academy Award®, al BAFTA y al CDG por su trabajo en ambas películas. También fue productora ejecutiva y diseñadora de vestuario en la película de 2017 de Todd Haynes, “Wonderstruck. El museo de las maravilllas”. Además de la próxima película de Yorgos Lanthimos, “The Favorite”, también diseñó el vestuario de “Cómo enamorar a una chica punk”, dirigida por John Cameron Mitchell.

 

PETER SWORDS KING (Maquillaje y Peluquería) empezó su carrera en 1970 cuando dejó el colegio para entrar a formar parte de varias compañías de teatro pequeñas. Dirigió un centro de arte durante dos años antes de comprender que su vocación era el maquillaje y la peluquería.

 

Swords King comenzó a trabajar en el Bristol Old Vic Theatre en 1980, donde conoció a Peter Owen, que era jefe de maquillaje. Después de seguir a Owen a la Ópera Nacional de Gales, los dos Peter trabajaron juntos durante cinco años antes de formar su compañía de pelucas, Owen, King and Co.

Uno de los aspectos más destacados de la carrera de Swords King fue el diseño de la producción teatral original de “El fantasma de la ópera”, que ahora se representa en todo el mundo. A partir de ese momento desarrolló una carrera de éxito en el cine con su dominio del diseño de pelucas y maquillajes de época. Recibió el premio más alto al ganar un Oscar® y un BAFTA por su excepcional trabajo en la trilogía “El señor de los anillos”.

Swords King ha diseñado los looks de películas tan notables como: “El hombre sin edad”, en la que colaboró con el prestigioso director Francis Ford Coppola; “King Kong”; “La niñera mágica”; “Beyond the Sea”; “La brújula dorada” y “Nueva York para principiantes”.

En 2007, Swords King volvió a colaborar con el famoso director Peter Jackson en “The Lovely Bones” de DreamWorks. Swords King tuvo mucho trabajo en 2009: diseñó la película de Rob Marshall “Nine”, que incluía un reparto repleto de ganadores del Oscar® como Daniel Day-Lewis, Nicole Kidman, Penélope Cruz, Marion Cotillard, Dame Judi Dench y Sophia Loren. La película le dio una séptima nominación al BAFTA. Volvió a colaborar con Emma Thompson en la siguiente entrega de “La niñera mágica” titulada “La niñera mágica y el Big Ben”.

Swords King diseñó el maquillaje de Anne Hathaway en “Amor y otras drogas” de Ed Zwick y volvió a reunirse con Rob Marshall en “Piratas del Caribe: En mareas misteriosas”. Trabajó en la trilogía del “Hobbit”, que le valió otra nominación al Oscar® y al BAFTA por la primera película de la serie, “El Hobbit: Un viaje inesperado”; “Alicia a través del espejo”, “Piratas del Caribe: La venganza de Salazar” y “Star Wars: Los últimos Jedi”.

 

 

MATT JOHNSON (Supervisor de efectos visuales), nominado al Emmy®, se centró desde muy joven en desarrollar una carrera en el ámbito de los efectos visuales. A los 17 años, recibió una cámara de cine de 8 mm y empezó a filmar películas de animación con muñecos Lego. Un par de años después ya estaba leyendo revistas de efectos visuales especiales, aprendiendo aspectos técnicos de esta especialidad del cine.

 

En 1994, recién salido de la universidad y con una Licenciatura en Artes Cinematográficas, Vídeo y Fotografía, Johnson logró su primer trabajo en la industria del cine trabajando como ayudante de producción en Cinesite, la prestigiosa compañía de efectos visuales. No tardó en ascender y en 1999 ya estaba trabajando como supervisor en la miniserie de NBC “Cleopatra”, protagonizada por Timothy Dalton y Billy Zane; Johnson fue nominado al Emmy® por los efectos visuales. Al año siguiente le llegó una segunda nominación a los Emmy por su trabajo en “La leyenda mágica de los Leprechauns” de Hallmark. Johnson también trabajó en las aclamadas miniseries “Band of Brothers”, “El rey mono” y “Hans Christian Andersen: My Life as a Fairytale”.

 

En 2002 empezó a trabjar en el cine como supervisor de efectos visuales en “Los rebeldes de Shanghai”, protagonizada por Jackie Chan y Owen Wilson. Otros créditos notables de Johnson incluyen “La brújula dorada” (que ganó el Oscar® a los mejores efectos visuales), “V de Vendetta”, “Las crónicas de Narnia: La travesía del viajero del alba”, “X-Men: Primera generación”, “Guerra Mundial Z”, “Jack Ryan: Operación Sombra”, “Into the Woods”, “Kingsman: Servicio secreto” y más recientemente,” Ahora me ves 2”.

 

WYATT SMITH (Montador) es hijo de un roadie así que supo desde muy joven cómo funciona el mundo del entretenimiento. Su primer trabajo fue como ayudante de producción de un especial sobre Carly Simon de HBO a los 12 años.

 

A lo largo de su adolescencia, Smith trabajó en diversos proyectos para una amplia variedad de artistas como Mariah Carey y Paul Simon. A principios de la década de los 90, Smith descubrió el montaje cuando trabajaba en Sony Music Studios en Nueva York. Su reputación como montador fue aumentando. Se ocupó del montaje de la aclamada serie musical “Sessions at West 54th”, de documentales sobre Black Sabbath, Brian Wilson y A&E Biography, de videos musicales para Pearl Jam, John Mayer y Keith Urban, y de especiales de televisión como CBS “Michael Jackson: 30th Anniversary Celebration” y “Elvis by the Presley’s”.

 

Smith abarcó otros ámbitos de la música y montó la serie de comedia “Chappelle’s Show”. En 2002, a petición del legendario productor de discos Phil Ramone, Smith empezó a dirigir programas con varias cámaras incluyendo “Songwriters Hall of Fame” (Bravo), “The World Series of Pop Culture” de VH1 y especiales para los ganadores de los GRAMMY®, John Legend y Evanescence.

 

En 2006, Smith se encargó del montaje de especial de NBC ganador de siete Emmy®, “Tony Bennett: An American Classic”, dirigido por Rob Marshall (“Chicago”, “Memorias de una geisha”) por el que Smith fue nominado a un Emmy al Mejor Montaje de un Especial. A petición de Rob Marshall, fue uno de los montadores de la película musical “Nine” de Weinstein Company, protagonizada por Daniel Day-Lewis por la que recibió una nominación al Boadcast Film Critics’ Choice al Mejor Montaje. Wyatt siguió trabajando con Marshall y montó la epopeya de aventuras en 3D de Disney, “Piratas del  Caribe: En mareas misteriosas”, protagonizada por Johnny Depp y producida por Jerry Bruckheimer.

 

Smith montó el documental “The Zen of Bennett”, que formó parte del Festival de Cine de Tribeca de 2012 y también participó en el montaje de “Mi semana con Marilyn” de Weinstein Company, protagonizada por Michelle Williams, y “Despedida de soltera”, protagonizada por Kirsten Dunst. Además de montar segmentos del concierto del documental en 3D de Sony Pictures “One Direction: This is Us”, Smith regresó al género de acción y aventuras realizando el montaje de “300: El origen de un imperio” para Warner Bros. antes de trasladarse a Marvel Studios para participar en el montaje de “Thor: El mundo oscuro”.

 

“Into The Woods” representa la tercera colaboración de Smith con el director Rob Marshall. Desde entonces, ha montado “Ricki”, protagonizada por Meryl Streep, y “Doctor Strange (Doctor Extraño)”, protagonizada por Benedict Cumberbatch.

 

 

 

 
 

 

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