La película Into the Woods , fotos y EPK

Into the Woods estreno este viernes

CON 3 NOMINACIONES A LOS OSCAR: mejor actriz de reparto (Meryl Streep), mejor vestuario (Colleen Atwood) y mejor diseño de producción (Dennis Gassner y Anna Pinnock)
Hola a todos,
Este viernes 23 de enero estrenamos INTO THE WOODS en 263 cines de nuestro país que se reparten de la siguiente manera:
· 254 copias en 2D dobladas
· 22 copias en 2D VOSE

Cuidado con lo que decís, los niños estarán escuchando.
Cuidado con lo que hacéis, los niños estarán mirando. Y aprendiendo.
Cuidado con lo que deseáis, los deseos son niños.
Cuidado con el camino que tomáis… Los deseos se hacen realidad, pero no salen gratis…

“Finale/Children Will Listen”

EL INICIO DEL VIAJE

Bocetos de la película Into the Woods

Hace 12 años, después del descomunal éxito de la adaptación a la gran pantalla del musical “Chicago” (que ganó seis Premios de la Academia®, incluyendo él de Mejor Película), el director Rob Marshall se reunió con Stephen Sondheim y le comunicó que estaba interesado en dirigir una versión cinematográfica de una de las legendarias producciones teatrales del compositor. La favorita de la lista de Sondheim era “Into the Woods”, uno de sus trabajos más aclamados y conmovedores. Además estaba convencido que encajaba a la perfección con Marshall.

Marshall y John DeLuca, su socio de producción, se convirtieron en fans del famoso musical de Sondheim y James Lapine desde que se estrenó en Broadway en el Martin Beck Theatre en 1987. Al describir la obra, Marshall afirma: “La historia entrelaza perfectamente la partitura emotiva, divertida y brillante de Sondheim con el intrincado y magistral libreto de Lapine, que es una versión moderna de varios entrañables cuentos de hadas, y es entretenido, además de abordar temas complejos como las consecuencias de los deseos, de las relaciones entre padre e hijo, la codicia, la ambición, la pérdida y quizás lo más importante, el amor incondicional y el poder del espíritu humano”.

Después, en 2011, en el décimo aniversario de los ataques del 11 de septiembre, Marshall escuchó al Presidente Obama dirigirse a las familias de las víctimas. Obama intentaba consolarlas y dijo: “No estáis solos… Nadie está solo”. La frase “Nadie está solo”, que también es una de las canciones más conmovedoras y memorables de “Into the Woods”, causó un gran impacto en Marshall, y en ese momento supo que había llegado la hora de llevar el entrañable musical a la gran pantalla.

“Creo que en muchos sentidos ‘Into the Woods’ es un cuento de hadas del siglo XXI, de la generación posterior al 11 de septiembre”, dice Marshall. “Sondheim y Lapine se adelantaron a su tiempo cuando la escribieron. La reconfortante idea de que no estamos solos en este inestable mundo nos ofrece a todos un rayo de esperanza”.

Parar Sondheim, “‘Nadie está solo’” era una canción con un mensaje para el público. “Creo que Arthur Wing Pinero dijo que cuando escribes una obra, cuentas al público lo que vas a hacer, lo haces y después les dices que lo has hecho. Si les dices que lo has hecho, entonces tu mensaje ha llegado”, afirma.

“‘Nadie está solo’ les dice que lo hemos hecho”, explica Sondheim. “Y de esto trata el espectáculo. Nadie está solo: todos estamos conectados de una forma u otra y todos somos responsables de los actos de los demás. Es algo en lo que creo firmemente y merece la pena escribir sobre ello”.

Marshall y DeLuca llevaron su apasionado proyecto a Disney, y supieron inmediatamente que habían encontrado la compañía perfecta para hacer realidad el musical. “Nos impactó la forma en la que la compañía acogió el proyecto”, dice Marshall. “Les interesó muchísimo la idea de ampliar el significado de un ‘cuento de hadas moderno’”.

El productor Marc Platt, que se unió al dúo para hacer el film, dice: “Disney es una compañía cuya tradición es llevar al cine los cuentos de hadas clásicos, así que también debe ser la compañía que encuentre formas nuevas, contemporáneas e inesperadas de contar esas historias”.

Así que después de 27 años, el muy esperado clásico se puso en marcha para iniciar su andadura. “El Bosque de nuestra historia representa un concepto universal y puede significar muchísimas cosas”, dice Marshall. “Es un lugar al que vas a buscar tus sueños, enfrentarte a tus miedos, perderte, encontrarte, crecer y aprender a avanzar. Todo forma parte de la vida. Así que todos vamos una y otra vez ‘Into the Woods’…”.

En el bosque puede ocurrir cualquier cosa…
“Any Moment”

Cuidado con lo que decís, los niños estarán escuchando.
Cuidado con lo que hacéis, los niños estarán mirando. Y aprendiendo.
Cuidado con lo que deseáis, los deseos son niños.
Cuidado con el camino que tomáis… Los deseos se hacen realidad, pero no salen gratis…

“Finale/Children Will Listen”

EL INICIO DEL VIAJE

Hace 12 años, después del descomunal éxito de la adaptación a la gran pantalla del musical “Chicago” (que ganó seis Premios de la Academia®, incluyendo él de Mejor Película), el director Rob Marshall se reunió con Stephen Sondheim y le comunicó que estaba interesado en dirigir una versión cinematográfica de una de las legendarias producciones teatrales del compositor. La favorita de la lista de Sondheim era “Into the Woods”, uno de sus trabajos más aclamados y conmovedores. Además estaba convencido que encajaba a la perfección con Marshall.

Marshall y John DeLuca, su socio de producción, se convirtieron en fans del famoso musical de Sondheim y James Lapine desde que se estrenó en Broadway en el Martin Beck Theatre en 1987. Al describir la obra, Marshall afirma: “La historia entrelaza perfectamente la partitura emotiva, divertida y brillante de Sondheim con el intrincado y magistral libreto de Lapine, que es una versión moderna de varios entrañables cuentos de hadas, y es entretenido, además de abordar temas complejos como las consecuencias de los deseos, de las relaciones entre padre e hijo, la codicia, la ambición, la pérdida y quizás lo más importante, el amor incondicional y el poder del espíritu humano”.

Después, en 2011, en el décimo aniversario de los ataques del 11 de septiembre, Marshall escuchó al Presidente Obama dirigirse a las familias de las víctimas. Obama intentaba consolarlas y dijo: “No estáis solos… Nadie está solo”. La frase “Nadie está solo”, que también es una de las canciones más conmovedoras y memorables de “Into the Woods”, causó un gran impacto en Marshall, y en ese momento supo que había llegado la hora de llevar el entrañable musical a la gran pantalla.

“Creo que en muchos sentidos ‘Into the Woods’ es un cuento de hadas del siglo XXI, de la generación posterior al 11 de septiembre”, dice Marshall. “Sondheim y Lapine se adelantaron a su tiempo cuando la escribieron. La reconfortante idea de que no estamos solos en este inestable mundo nos ofrece a todos un rayo de esperanza”.

Parar Sondheim, “‘Nadie está solo’” era una canción con un mensaje para el público. “Creo que Arthur Wing Pinero dijo que cuando escribes una obra, cuentas al público lo que vas a hacer, lo haces y después les dices que lo has hecho. Si les dices que lo has hecho, entonces tu mensaje ha llegado”, afirma.

“‘Nadie está solo’ les dice que lo hemos hecho”, explica Sondheim. “Y de esto trata el espectáculo. Nadie está solo: todos estamos conectados de una forma u otra y todos somos responsables de los actos de los demás. Es algo en lo que creo firmemente y merece la pena escribir sobre ello”.

Marshall y DeLuca llevaron su apasionado proyecto a Disney, y supieron inmediatamente que habían encontrado la compañía perfecta para hacer realidad el musical. “Nos impactó la forma en la que la compañía acogió el proyecto”, dice Marshall. “Les interesó muchísimo la idea de ampliar el significado de un ‘cuento de hadas moderno’”.

El productor Marc Platt, que se unió al dúo para hacer el film, dice: “Disney es una compañía cuya tradición es llevar al cine los cuentos de hadas clásicos, así que también debe ser la compañía que encuentre formas nuevas, contemporáneas e inesperadas de contar esas historias”.

Así que después de 27 años, el muy esperado clásico se puso en marcha para iniciar su andadura. “El Bosque de nuestra historia representa un concepto universal y puede significar muchísimas cosas”, dice Marshall. “Es un lugar al que vas a buscar tus sueños, enfrentarte a tus miedos, perderte, encontrarte, crecer y aprender a avanzar. Todo forma parte de la vida. Así que todos vamos una y otra vez ‘Into the Woods’…”.

En el bosque puede ocurrir cualquier cosa…
“Any Moment”

EL REPARTO

Durante casi 40 años, MERYL STREEP (Bruja) ha interpretado a una increíble variedad de personajes en una carrera que abarca el teatro, el cine y la televisión.

Streep estudió en la escuela pública de New Jersey hasta el instituto. Después se graduó cum laude en Vassar College y recibió un MFA en la Universidad de Yale en 1975. Inició su carrera profesional en los escenarios teatrales de Nueva York donde no tardó en consagrarse con una actriz versátil y enérgica. Debutó en Broadway tres años después de graduarse, recibió un Emmy® (por “Holocausto”) y su primera nominación a los Oscar® (por “El cazador”).

En 2014, en un record que nadie ha alcanzado, fue nominada por décimo octava vez a los Premios de la Academia® por su papel en “Agosto”. Ha ganado tres veces, por sus interpretaciones en “La dama de hierro” (2012), “La decisión de Sofía” (1983) y “Kramer contra Kramer” (1980).

Streep está muy comprometida con el medioambiente a través de su trabajo con Mothers and Others, un grupo que defiende a los consumidores y que cofundó en 1989. M&O lleva diez años trabajando para promover la agricultura sostenible, defender nuevas normas sobre pesticidas y facilitar la venta de productos locales orgánicos y provenientes de la agricultura sostenible.

También participa en Women for Women International, Women in the World Foundation y Partners in Health. Es miembro del Consejo de Administración del Vassar College y de la American Academy of Arts and Letters. El gobierno francés le concedió la Orden de las Artes y las Letras. También ha recibido el Lifetime Achievement Award que otorga el American Film Institute, el premio de 2008 de la Film Society of Lincoln Center, la National Medal of Arts concedida en 2010 por el Presidente Obama y, en 2011 recibió un Kennedy Center Honor.

Ella y su marido, el escultor Don Gummer tienen un hijo y tres hijas.

La versatilidad interpretativa y la capacidad de transformarse de EMILY BLUNT (Mujer del Panadero), ganadora de un Globo de Oro®, la convierten en una de las actrices más solicitadas de hoy. Emily Blunt alcanzó fama internacional por sus extraordinarias interpretaciones en películas como “My Summer of Love” y “El diablo viste de Prada”.

Blunt acabó recientemente de rodar el thriller “Sicario” junto a Benicio del Toro y Josh Brolin para el director Denis Villeneuve. Hace poco apareció junto a Tom Cruise en “Al final de la mañana” de Doug Liman. La película, que estrenó Warner Bros. en junio, se desarrolla en el futuro próximo en el que una raza alienígena se apodera de la Tierra, de forma que los ejércitos del mundo deben unirse para defender el planeta. Emily Blunt apareció anteriormente en “El amigo de mi hermana” de Lynn Shelton, junto a Ewan McGregor en “La pesca del salmón en Yemen” de Lasse Hallstrom que le valió una nominación al Globo de Oro, como protagonista del thriller “Looper”, junto a Bruce Willis y Joseph Gordon-Levitt, y le dio la réplica a Colin Firth en la comedia negra “Arthur Newman”.

Otras de sus películas más destacadas son “La guerra de Charlie Wilson”, “Sunshine Cleaning” y “El hombre lobo”. Blunt hizo el papel protagonista de la Reina Victoria en la película aclamada por la crítica “La joven Victoria”, que le valió un BAFTA y una nominación a los Globos de Oro. Otros de sus trabajos son “Los viajes de Gulliver” y “Destino oculto”.

Emily Blunt inició su carrera en el Festival de Chichester de 2002, donde interpretó a Julieta en una producción de “Romeo y Julieta”. Su debut en los escenarios teatrales fue una producción de “The Royal Family”, junto a Dame Judi Dench. Además de ganar un Globo de Oro por el telefilm de la BBC titulado “Gideon’s Daughter”, Emily Blunt fue nominada a otros tres Globos de Oro así como a dos BAFTA, y a dos Premios del Cine Independiente Británico.

JAMES CORDEN (Panadero) es la estrella ganadora del Tony® de “One Man, Two Guvnors” en el National Theatre de Londres y en Broadway. También protagonizó las producciones de “The History Boys” en Londres y en Broadway, “A Respectable Wedding” en el Young Vic y “Martin Guerre” en el West End.

Entre las películas anteriores de Corden están “Los tres mosqueteros”, “Los viajes de Gulliver”, “Lesbian Vampire Killers”, “Telstar”, “Nueva York para principiantes”, “Where Have I Been All Your Life?”, “Pierrepoint, el verdugo”, “Un chico listo”, “Volver a empezar (Heartlands)”, “Todo o nada”, “¿Qué le ocurrió a Harold Smith?” y “Twenty Four Seven”. Retomó el papel que interpretó en el West End en la adaptación cinematográfica de “The History Boys”, aclamada por la crítica. Hace poco pudimos verle en “Begin Again”, junto a Keira Knightley y Mark Ruffalo y en la producción de Weinstein, “One Chance”.

Además de co-crear y co-escribir la serie de televisión “Gavin y Stacey” ganadora del BAFTA y de un Premio British Comedy, otros de sus créditos televisivos incluyen: “Horne and Corden”, “James Corden’s World Cup Live”, “Little Britain”, “Fat Friends”, “Cruise of the Gods”, “Dalziel and Pascoe”, “Judge John Deed”, “Jack and the Beanstalk”, “Teachers”, “Hollyoaks”, “Boyz Limited” y “The Vicar of Dibley”. Ha presentado en cuatro ocasiones los Premios BRIT y en la actualidad presenta el popular concurso deportivo de Sky 1, “A League of Their Own”. Corden también fue uno de los creadores y guionistas de la serie de ma BBC titulada “The Wrong Man”. Corden ha recibido un gran número de premios a la comedia incluyendo un Premio de la Asociación de Guionistas de Gran Bretaña al Guionista de Comedias del Año, el South Bank Show Award for Comedy, el Tric Award a la Mejor Comedia y el National Television Award de 2010 a la Mejor Comedia.

Kendrick estrenó dos películas en el Festival de Cine Internacional de Toronto de 2014; “The Last Five Years”de Radius/Weinstein, la adaptación para el cine del musical en el que da la réplica a Jeremy Jordan y cuyo estreno está programado para febrero de 2015, y el drama independiente “Cake”, con Jennifer Aniston.

Fue protagonista de la comedia musical de éxito, “Dando la nota (Pitch Perfect)”. La canción “Cups”, que interpretó en la película, fue disco platino múltiple y una de las primeras de la lista Billboards de 2013.

Otros recientes trabajos de Kendrick incluyen: “Colegas de copas”, que protagonizaba junto a Olivia Wilde y Ron Livingston; la comedia dramática de Summit Entertainment “50/50”, con Seth Rogen y Joseph Gordon-Levitt; y el intenso drama de intriga de David Ayer titulado “Sin tregua (End of Watch)”, junto a Jake Gyllenhaal. Kendrick también trabajó en la saga de éxito “Crepúsculo”, incluyendo “Luna nueva”, “Eclipse” y “Amanecer: Parte I”.

En 2010, Kendrick protagonizó junto a George Clooney y Jason Bateman en la aclamada película “Up in the Air”, dirigida por Jason Reitman, que le valió una nominación al Oscar® a la Mejor Actriz Secundaria y también fue premiada por el National Board of Review a la Mejor Actriz Secundaria y en los MTV Movie Awards a la Mejor Actriz Novel. También recibió nominaciones a los Critics’ Choice Movie Awards, a los Globos de Oro®, BAFTA, y de la Asociación de Actores de Cine®.

Kendrick protagonizó con gran éxito “Rocket Science” de Picturehouse, dirigida por Jeffrey Blitz. Su interpretación como miembro ultracompetitiva del equipo de debate del instituto le valió el aplauso de la crítica y la película recibió una nominación al Premio del Gran Jurado del Festival de Cine de Sundance de 2007. Kendrick fue nominada a un Independent Spirit Award a la Mejor Actriz Secundaria por su trabajo en la película.

Debutó en el cine en “Camp”, del director Todd Graff, que causó sensación en el Festival de Cine de Sundance de 2003. Su interpretación en la película de culto le valió una nominación a los Independent Spirit Awards, así como una nominación a la Mejor Actriz Secundaria en los Annual Chlotrudis Awards.

Kendrick, una reconocida actriz teatral, inició su carrera como Dinah Lord en la producción del musical de Broadway de “Alta sociedad”, por el que recibió una nominación al Premio Tony® a la Mejor Actriz de un Musical. Con tan sólo 12 años, el galardón la convirtió en la segunda nominada más joven de la historia de los Premios Tony. Kendrick también recibió premios Drama League y Theatre World, así como nominaciones al Drama Desk y al FANY Award. Otros trabajos teatrales de Kendrick incluyen un papel en la producción de la New York City Opera de “A Little Night Music”, protagonizada por Jeremy Irons, “My Favorite Broadway/The Leading Ladies: Live at Carnegie Hall” y representaciones en Broadway de “Jane Eyre” y “The Little Princess”.

En 2012, Pine prestó su voz al largometraje animado de DreamWorks “El origen de los guardianes” con Alec Baldwin, Hugh Jackman, Isla Fisher y Jude Law. También protagonizó junto a Michelle Pfeiffer, Elizabeth Banks y Olivia Wilde el drama “Así somos (People Like Us)” y coprotagonizó con Reese Witherspoon y Tom Hardy la comedia de acción de 20th Century Fox titulada “Esto es la guerra”.

Anteriormente, protagonizó junto a Denzel Washington el largometraje de Fox “Imparable” dirigida por Tony Scott. En 2009, Pine protagonizó el éxito de taquilla de Paramount “Star Trek” dirigida por J.J. Abrams. La película narraba los primeros tiempos de Kirk y de sus compañeros del USS Enterprise. Otros créditos cinematográficos incluyen la película de Paramount Vantage “Carriers”, el largometraje de animación educativo “Quantum Quest: A Cassini Space Odyssey”, “Guerra de vinos” del guionista/director Randall Miller, la cinta independiente “Small Town Saturday Night” del guionista y director Ryan Craig, el descarnado drama coral de Joe Carnahan “Smokin’ Aces” para Working Title Films y Universal Pictures, “Super Ligón”, coprotagonizada por Eddie Kaye Thomas y Jane Seymour, la comedia romántica de Fox/New Regency titulada “Just My Luck” junto a Lindsay Lohan y “Princesa por sorpresa 2” junto a Anne Hathaway.

En los escenarios teatrales, vimos recientemente a Pine en “The Lieutenant of Inishmore” de Martin McDonagh, en el Mark Taper Forum de Los Ángeles. En Variety, el crítico Bob Verini dijo que la interpretación de Pine era “inquietantemente y espectacularmente buena” y añadió que “el público que ha visto ’Inishmore’ es testigo de lo que promete ser una extraordinaria carrera teatral”. En marzo de 2011, Pine recibió por este papel el Premio al Mejor Protagonista que concede el Círculo de Críticos Teatrales de Los Ángeles.

Pine también recibió excelentes críticas y una nominación al Ovation Award en 2009 por su interpretación en el drama “Farragut North” que protagonizó junto a Chris Noth en el Geffen Playhouse de Los Ángeles. Otros de sus créditos teatrales incluyen la obra de Neil LaBute “Fat Pig”, también en el Geffen Playhouse, y “The Atheist”, un espectáculo en solitario en el off Broadway y múltiples producciones en el Festival de Teatro de Williamstown, entre muchas otras.

Pine se graduó en la Universidad de California, Berkeley. Sus padres son los actores Gwynne Gilford y Robert Pine y su abuela Anne Gwynne, ya fallecida, fue una actriz de cine de los años 30 y 40.

CHRISTINE BARANSKI (Madrastra), una de las actrices más galardonadas de la industria del entretenimiento, ha sido aclamada en todos los medios en los que ha actuado. Ha ganado un Emmy®, dos Tony®, un Premio del Sindicato de Actores de Cine y de la American Comedy. Baranski nació en Buffalo y asistió a la Juilliard School. Saltó a la fama al formar parte del reparto de la comedia de éxito de Tom Stoppard, “The Real Thing”, representada en Broadway y dirigida por Mike Nichols que le valió un Premio Tony y un Drama Desk.

Baranski ganó un segundo Premio Tony® por su interpretación en “Rumors” de Neil Simon y un Premio Drama Desk por “Lips Together Teeth Apart”. También apareció en “Boeing-Boeing”, “Hurlyburly”, “The House of Blue Leaves”, “The Loman Family Picnic”, “Regrets Only”, “Follies”, “Promises, Promises” y “On Your Toes” de Encores! Productions, y las producciones del Kennedy Center de “Sweeney Todd” y “Mame”.

Además de recibir un Emmy® por la comedia de éxito de CBS titulada “Cybill”, Baranski recibió un Premio American Comedy a la Mejor Actriz Secundaria en la Comedia así como el Premio del Sindicato de Actores de Cine a la Mejor Actriz Protagonista en una Comedia. También recibió otros tres Emmy y tres nominaciones a los Globos de Oro®. Pudimos verla como actriz invitada en “Frasier”, lo que le valió una quinta nominación a los Emmy. Baranski ha aparecido en numerosos episodios de la serie de CBS “The Big Bang Theory”, y fue nominada dos veces a los Emmy a la Mejor Actriz Invitada en una Serie. Actualmente protagoniza la serie de éxito de CBS “The Good Wife”, por la que recibió cinco nominaciones a los Emmy a la Mejor Actriz Secundaria en una Serie Dramática.

Sus créditos cinematográficos incluyen “Mamma Mia!”, “Chicago”, “El Grinch”, “Bowfinger, el pícaro”, “Bulworth”, “Crueles intenciones”, “Una jaula de grillos”, “El misterio Von Bülow”, “Peligrosamente juntos”, “Esto (no) es un secuestro”, “La Familia Addams. La tradición continúa”, “Bienvenido a Mooseport”, “El gurú del sexo”, “9 ¹/₂ Semanas” y “Jeffrey”.

TRACEY ULLMAN (Madre de Jack) es más conocido en Estados Unidos por su serie, “The Tracey Ullman Show”, que emitió Fox de 1987 a 1990 y que convirtió a la cómica nacida en Inglaterra como uno de los mayores talentos cómicos de la televisión. La serie recibió numerosos premios durante su emisión, incluyendo varios Premios Emmy®, dos para Ullman. Con el paso de los años, Ullman ha recibido numerosos galardones entre los que están siete Emmy, un Globo de Oro®, un Premio SAG®, tres CableACEs, ocho Premios American Comedy y un BAFTA.

Ullman saltó a la fama en los escenarios británicos con “Four in a Million” (1981), una comedia de improvisación que se representó en el Royal Court Theater que le valió un Premio de la Crítica de Londres. A éste éxito le siguieron ofertas para trabajar en televisión incluyendo una del productor independiente Allan McKeown que poco después se convirtió en su marido. Mientras interpretaba a una “conejita de Playboy mentirosa compulsiva” en “Girls on Top” de McKeown, también apareció en “Three of a Kind”, el popular programa del sábado noche de la BBC que se emitió durante tres años y que la hizo famosa en toda Inglaterra. En 1982, grabó el álbum superventas, “You Broke My Heart in Seventeen Places”, y debutó en la gran pantalla en 1983, en “Recuerdos a Broad Street” de Paul McCartney. Fue su aparición en la adaptación cinematográfica de 1985 de la obra de David Hare, “Plenty”, coprotagonizada por Meryl Streep, Charles Dance y Sting, lo que hizo famosa a Ullman en Estados Unidos.

A mediados de los ochenta decidió tomarse un par de años de descanso para tener un hijo y se estableció en Los Ángeles. Regresó a la televisión en 1987 con “The Tracey Ullman Show” producido por James L. Brooks para la entonces incipiente Fox Network. En los tres años y medio siguientes, Ullman apareció todos los domingos por la noche. En 1989, Ullman protagonizó junto a Kevin Kline la comedia romántica, “Te amaré hasta que te mate”. Interpretaba a una mujer que planea asesinar a su marido mujeriego con la única finalidad de no volver a enamorarse de él. Después apareció en “Las locas, locas aventuras de Robin Hood” de Mel Brooks y en el drama de éxito “Household Saints”. En 1990, Ullman interpretó a Kate junto a Morgan Freeman en la producción del New York Central Park’s Public Theater de “Mi fierecilla domada”. Volvió a trabajar con James L. Brooks en “Aprendiendo a vivir” (1994), y formó parte del reparto estelar de “Pret-a-Porter”, la parodia del mundo de la moda dirigida por Robert Altman.

Ullman formó parte del reparto coral de “Balas sobre Broadway” de Woody Allen que narra la relación entre un gánster y un dramaturgo ambientado en el Nueva York de los años 20. Ullman interpretó a Eden Brent, una de las actrices que actuaban en la obra que se representa dentro de la película. Volvió a trabajar con Allen en “Granujas de medio pelo” (2000) para encarnar a la esposa de un matrimonio cuyo éxito como delincuentes amenaza con destruir lo que fue una maravillosa historia de amor. Ullman apareció en “Los sexoadictos (A dirty shame)” (2004) de Jon Waters, la primera comedia no apta para menores de 17 años. Interpretaba a una mujer trabajadora de Baltimore que tras golpearse la cabeza se vuelve adicta al sexo. A principios de los 90, Ullman representó sus propios especiales de comedia en HBO, “Tracey Ullman: Takes on New York” y “A Class Act”, así como la secuela de la serie “Tracey Takes On…”. “Tracey Takes On…” era una serie de sketches rodada con una sola cámara. Cada episodio abordaba un tema en particular y se emitió durante cuatro años. En la serie Ullman interpretaba personajes que se convertían inmediatamente en clásicos así como otros de sus primeras series. Este programa le valió el aplauso de la crítica y numerosos Premios Emmy.

Ullman también tuvo un papel recurrente como la Dra. Tracy Clark, la excéntrica terapeuta de Calista Flockhart, en la temporada 1998-1999 de “Ally McBeal”. Revivió su popular personaje de “Tracey Takes On”, la veterana maquilladora de Hollywood Ruby Romaine, en el especial de HBO “Tracey Ullman in Trailer Tales” en 2003, y un espectáculo teatral en directo en 2006, “Tracey Ullman Live and Exposed”.

Su proyecto más reciente, “State of the Union”, del que fue productora ejecutiva, directora y guionista, se emitió en Showtime durante tres temporadas, de 2008 a 2010.

JOHNNY DEPP (Wolf) es un galardonado actor que también produce con el sello de su compañía, infinitum nihil. Hace poco acabó el rodaje de “Alice in Wonderland: Through the Looking Glass”.

Nominado en tres ocasiones a los Premios de la Academia® en la categoría de Mejor Actor, Depp recibió su primera nominación a los Oscar® por su trabajo en el éxito de taquilla de 2003 “Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra” dirigida por Gore Verbinski, que lanzó a la fama la saga cinematográfica. También ganó un Premio SAG® y un Premio Empire y recibió nominaciones a los Globos de Oro® y a los BAFTA por su creación del Capitán Jack Sparrow, que se convirtió inmediatamente en un personaje favorito del público. Depp retomó el papel en “Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto”, que le valió otra nominación a los Globos de Oro; “Piratas del Caribe: En el fin del mundo”; y, más recientemente, “Piratas del Caribe: En mareas misteriosas”. Se reunió con Verbinski en 2013 en “El llanero solitario”, donde interpretó a Toro junto a Armie Hammer en el papel protagonista.

La segunda nominación a los Oscar le llegó a Depp por su interpretación en el aclamado drama de Marc Forster de 2004, “Descubriendo Nunca Jamás”. Además, recibió nominaciones a los Globos de Oro, los BAFTA y a los SAG® por su retrato de James Barrie, el autor de “Peter Pan”. Depp ganó su último Oscar por su trabajo en “Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet”, la adaptación para el cine que hizo Tim Burton en 2007 del musical de Stephen Sondheim. Por su interpretación como protagonista de la película, Depp también ganó un Globo de Oro al Mejor Actor en un Largometraje – Comedia o Musical.

“Sombras tenebrosas” representó la octava colaboración de Depp con Burton, que empezó con la interpretación del actor en “Eduardo Manostijeras” de 1990 que le valió al actor una nominación a los Globos de Oro. Después recibió nominaciones a los Globos de oro por su trabajo en “Ed Wood” bajo la dirección de Burton, que le valió un Premio del Círculo de Críticos de Cine de Londres, en “Charlie y la fábrica de chocolate” y en “Alicia en el País de las Maravillas”. También prestó su voz a la cinta animada de Burton, “La novia cadáver”. Depp inició su carrera artística como músico antes de decantarse por la interpretación. Debutó en el cine en la película de terror “Pesadilla en Elm Street”, a la que siguió “Platoon”, el drama bélico de Oliver Stone ganador de los Oscar. En 1987, saltó a la fama en el programa de televisión “21 Jump Street”. Trabajó en la serie durante cuatro temporadas antes de volver a la gran pantalla para protagonizar “El lágrima”, de John Waters”. Sus primeros trabajos en el cine también incluyen “Benny & Joon, el amor de los inocentes”, que le valió una nominación a los Globos de Oro; “¿A quién ama Gilbet Grape?” de Lasse Hallström; “Don Juan DeMarco”, con Marlon Brando; “Donnie Bracso” de Mike Newell; y “Miedo y asco en Las Vegas” de Terry Gilliam. En 1997, Depp debutó como director y guionista con “The Brave”, que también protagonizó con Brando.

La extensa lista de créditos también incluye películas tan diversas como: “Chocolat” de Lasse Hallström, por la que fue nominado al Globo de Oro; “Desde el infierno” de los hermanos Hughes; “El mexicano” de Robert Rodríguez; “Enemigos públicos” de Michael Mann; “The Tourist”, por la que recibió otra nominación a los Globos de Oro; y “Los diarios del ron”, que también produjo. Además, prestó su voz al personaje que da título al largometraje animado “Rango”, ganador de un Oscar en 2011 y dirigida por Gore Verbinski, y fue uno de los productores de “La invención de Hugo”, nominada a los Oscar. Hace poco pudimos verle en “Transcendence” junto a Rebecca Hall y Paul Bettany.

LILLA CRAWFORD (Caperucita Roja) ha protagonizado recientemente “Annie”, en el 35 aniversario de la aclamada producción musical de Broadway. Recibió nominaciones a los Premios Drama League y del Outer Critics Circle por su retrato de la huérfana pelirroja. Crawford fue elegida entre las 5.000 chicas que se presentaron para el papel. Después de “Annie”, Crawford participó en una lectura de “Home”, dirigida por Stafford Arima, y coprotagonizada por Diane Ladd.

Crawford es actriz profesional desde los seis años. Debutó en Broadway en 2011 encarnando a Debbie en “Billy Elliot”. En 2010, participó en la producción teatral “Melissa Arctic” de Craig Wright en Los Ángeles, su ciudad natal. También tuvo el honor de actuar en la presentación en concierto de “Ragtime” por una sola noche y que tuvo lugar en el Avery Fisher Hall de Nueva York junto a Tyne Daly, Norm Lewis, Lea Solonga y Patina Miller. También participó en el espectáculo “New Year’s Eve 2012: Live From Lincoln Center’s One Singular Sensation: Celebrating Marvin Hamlisch”.

Crawford está muy implicada en diversas organizaciones sin ánimo de lucro y es voluntaria en Room to Grow, New York Stage and Film y The New York Foundling. Está en contacto permanente con sus fans a través de Twitter (@LILLACRAWFORD).

Desde que encarnó a Gavroche en “Les Misérables”, Huttlestone ha vuelto a irse de gira con “Oliver!”, pero esta vez interpretando a Dodger, y firmó sus siguientes dos películas.

El año que viene podremos ver a Huttlestone en la cinta independiente “London Town”, interpretando a Shay, junto a Liv Tyler y Jonathan Rhys Meyers.

Otros créditos incluyen una excelente interpretación en “Boardwalk Empire” de HBO, y en el thriller sin título de Steven Spielberg sobre la Guerra Fría, cuyo estreno está programado para el otoño de 2015. Hace poco, Magnussen encarnó al protagonista masculino de la obra de Laura Eason titulada “Sex With Strangers”, junto a Anna Gunn en el 2econd Stage Theater de Nueva York.

TAMMY BLANCHARD (Florinda) recibió en 2001 una nominación a los Premios Tony® por su interpretación en “Cómo triunfar sin dar golpe”, y anteriormente fue nominada al Tony por su debut en Broadway en la obra “Gypsy” junto a Bernadette Peters, por la que recibió un Theater World Award. Blanchard ganó un Premio Primetime Emmy® por su retrato de la joven Judy Garland in “La vida con Judy Garland: Yo y mis sombras” y su interpretación también le valió nominaciones a los Globos de Oro® y al AFI.

Entre sus créditos cinematográficos también están “Blue Jasmine”, “La vida inesperada”, “Moneyball”, “El buen pastor”, “Bella”, “Cadillac Records”, “Los secretos del corazón (Rabbit Hole)”, “La música nunca dejó de sonar”, “Certainty”, “Union Square” y “Burning Blue”.

Sus trabajos en televisión incluyen “The Big C”, “A Gifted Man”, “We Were the Mulvaneys”, “Sybil”, “Prueba de vida (Living Proof)”, “Un abismo en el corazón”, “The Good Wife”, “Ley y Orden: Unidad de víctimas especiales”, “Guiding Light”, y el telefilm original de Lifetime titulado “Of Two Minds”.

LUCY PUNCH (Lucinda) apareció recientemente en las pantallas de cine en “Tipos legales” de Lionsgate con Al Pacino, Christopher Walken y Alan Arkin. Este año rodó “She’s Funny That Way” de Red Granite, junto a Jennifer Aniston, Imogen Poots y Owen Wilson.

2010 fue el año en el que Lucy saltó a la fama. Primero, protagonizó junto a Steve Carell y Paul Rudd “La cena de los idiotas” de Paramount Pictures. Después hizo “Conocerás al hombre de tus sueños” de Woody Allen con Naomi Watts, Anthony Hopkins, y Josh Brolin, a lo que siguió la comedia dramática “Un pedacito de cielo” junto a Kate Hudson, Kathy Bates y Gael García Bernal. En 2011, Punch protagonizó “Bad Teacher” de Columbia Pictures junto a Cameron Díaz y Justin Timberlake para el director Jake Kasdan.

Empezó su carrera en el cine trabajando en 20014 con Geoffrey Rush en “Llámame Peter”. Después trabajó en la película familiar, “Hechizada”, con Anne Hathaway. En 2006, Punch fue elegida la Promesa del Cine Británico en el Festival de Cine de Berlín por su trabajo en “Conociendo a Julia”, junto a Annette Bening y Jeremy Irons. También apareció en “Supercañeras: El internado puede ser una fiesta” y en la comedia de acción británica de Edgar Wright titulada “Arma fatal”.

Punch también ha aparecido en un gran número de series en el Reino Unido como “Vexed”, “Days Like These”, “Doc Martin” y “Let Them Eat Cake”. Debutó en el West End interpretando a Elaine Robinson en “El graduado”, dirigida por Terry Johnson. En 2007, regresó a la televisión en la comedia de CBS, “The Class”, junto a Lizzy Caplan, Jason Ritter y Jesse Tyler Ferguson. También participó en el telefilm de HBO “1%” junto a Donal Logue y Kim Dickens.

Punch nació y creció en Londres, Reino Unido. Divide su tiempo entre Londres y Los Ángeles.

FRANCES DE LA TOUR (Giganta) atesora una carrera de éxito en el teatro, la televisión y el cine. Trabaja habitualmente en el National Theatre, la RSC (Royal Shakespeare Company) y el West End londinense. De La Tour ha recibido un Tony® y tres Premios Olivier por su trabajo en los escenarios teatrales. Sus excelentes interpretaciones incluyen: “The History Boys” (que también se representó en Broadway y en una gira internacional); “Les Parents Terribles” (nominación al Premio Olivier – Mejor Actriz); el papel que da título a “Saint Joan”; “Antonio y Cleopatra”; “El sueño de una noche de verano”; “Como gustéis”; “Duet for One” (Premios Evening Standard y Olivier a la Mejor Actriz); “Fallen Angeles” (Premio Variety Club a la Mejor Actriz); el papel que da título a “Lilian”; “Chekhov’s Women”; “When She Danced” (Premio Olivier a la Mejor Actriz Secundaria); “A Moon for the Misbegotten” (Premio Olivier a la Mejor Actriz); “El Rey Lear”; “Skirmishes”; “Daughters of Men”; y el papel protagonista de “Hamlet”.

Sus papeles en televisión incluyen: “Pierrot”; “Waking the Dead”; “Cold Lazarus”; “Downwardly Mobile”; “Every Silver Lining”; “Bejeweled”; “A Kind of Living”; “Murder With Mirrors”; “Duet for One”; (nominación al BAFTA a la Mejor Actriz); “Skirmishes”; “Housewives’ Choice”; y “All Good Men”.

En el cine sus trabajos incluyen: “La invención de Hugo”; “Harry Potter y la cámara secreta”; “El libro de Eli”; “Alicia en el País de las Maravillas”; “Nutcracker: The Untold Story”; “The History Boys” (Nominación al BAFTA – Mejor Actriz); “El jardín de los cerezos”; y “Eso se hunde” (Mejor Actriz en los Premios Evening Standard).

SIMON RUSSELL BEALE (Padre del Panadero) es un Artista Asociado de la RSC y del National Theatre. En la RSC ha interpretado a Konstantin en “La gaviota” y a Ariel en “La tempestad”. Sus numerosas producciones en el National Theatre incluyen: “Hamlet”, que le valió el Premio Evening Standard al Mejor Actor, Felix Humble en “Humble Boy” (también en el West End), George en “Jumpers” (también en el West End/Broadway), Benedick en “Mucho ruido y pocas nueces”, Andrew Undershaft en “Major Barbara”, Sir Harcourt Courtly en “London Assurance”, Stalin en “Collaborators” y Timon en “Timon of Athens”. En 2014, interpretó al Rey Lear en una producción de Sam Mendes.

Los papeles de Vania en “El tío Vania” y de Malvolio en “Noche de Reyes” en el Donmar Warehouse y en la Brooklyn Academy de Nueva York le valieron el galardón al Mejor Actor en la edición de 2002 de los Premios Olivier e Evening Standard así como un Village Voice Obie. También trabajó en “Spamalot” de Monty Python en Nueva York y Londres.

En 2009, Beale encarnó a Leontes en “Cuento de invierno” y a Lopakhin en “El jardín de los cerezos”, ambos dirigidas por Sam Mendes en la Brooklyn Academy of Music, en una gira europea y en el Old Vic. Ese mismo año, protagonizó “The Hothouse” de Harold Pinter en los Trafalgar Studios.

En 2010, trabajó en el thriller “Death Trap” en el Noel Coward Theatre. Encarnó a Sir William Collyer e una versión cinematográfica de “The Deep Blue Sea”, dirigida por Terence Davies, e hizo un cameo en la película “Mi semana con Marilyn”. Al año siguiente creó el papel del Duque en el ballet “Alicia en el País de las Maravillas” en el Royal Opera House, Covent Garden.

Su trabajo en televisión incluye “A Dance to the Music of Time” que le valió el Royal Television Society Award y el BAFTA al Mejor Actor, dos temporadas de “Spooks” para Kudos Productions y para BBC4 ha presentado dos temporadas de “Sacred Music” y “Symphony”. Hizo el papel de Falstaff en las producciones de la BBC de 2012, “The Hollow Crown: Henry IV” (Partes Una y Dos) por las que recibió el BAFTA al Mejor Actor Secundario. Su aparición más reciente en la televisión ha sido en “Legacy” para Slim Film & TV Ltd.

En BBC Radio 4 encarnó a George Smiley en “The Complete Smiley”, a Niels Bohr en “Copenhagen” y a William Byrd en “Suspicion in Ten Voices”.

Ha aparecido en varios “BBC Proms”: en 1996, cuando narró la “Stravinsky Promenade”, en la First Night de 2003 cuadno narró “Ivan el Terrible”, dirigida por Leonard Slatkin y en 2010, cuando participó en la Prom que conmemoraba el “80º cumpleaños de Stephen Sondheim”. En 2003, Beale recibió un CBE en la Queen’s Birthday Honours List por los servicios prestados a las Artes.

LOS REALIZADORES

Las películas de ROB MARSHALL, p.g.a. (Director/Productor) han recibido un total de 23 nominaciones a los Oscar®, ganando nueve, incluyendo a la Mejor Película. Su película más reciente, “Piratas del Caribe: En mareas misteriosas”, protagonizada por Johnny Depp y Penélope Cruz, recaudó más de 1.000 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo, convirtiéndose en una de las películas más taquilleras de la historia.

Entre sus trabajos anteriores como director están las películas “Chicago”, ganadora de los Premios de la Academia y “Memorias de una Geisha”. Por su trabajo en “Chicago”, ganadora de seis Oscar® incluyendo Mejor Película, Marshall recibió el Premio del Sindicato de Directores, una nominación al Oscar, al Globo de Oro®, al BAFTA y al American

Choreography Award. Por su debut como director, Marshall recibió el National Board of Review Award y el New York Film Critics Online Award. Su pelicula épica, “Memorias de una Geisha”, se llevó tres Oscar, tres BAFTA y un Globo de Oro. La película de Marshall, “Nine”, fue nominada a cuatro Premios de la Academia, cinco Globos de Oro®, 10 Critics’ Choice Awards y el SAG Award® al Mejor Reparto. Ha recibido el Cinema Audio Society Filmmaker Award y el Distinguished Collaborator Award del Sindicato de Diseñadores de Vestuario.

Marshall fue productor ejecutivo, director y coreografió el espectáculo televisivo de NBC titulado “Tony Bennett: An American Classic”. Ganó su segundo Premio del Sindicato de Directores por esta producción así como tres Emmy® a la Dirección, Coreografía y Música de un Programa de Variedades o Especial de Comedia. Dirigió y coreografió la película musical de Disney/ABC, “Annie”, que recibió 12 nominaciones a los Emmy y ganó el prestigioso Premio Peabody. Por su trabajo, recibió un Emmy a la Coreografía y un Premio American Choreography.

En el teatro, Marshall, nominado a seis Premios Tony® y ganador del George Abbott Award, codirigió y coreografió “Cabaret”, la producción de Broadway galardonada en todo el mundo, y dirigió y coreografió la reposición en Broadway de “Little Me”, protagonizada por Martin Short. Otros créditos en Broadway incluyen “Kiss of the Spider Woman”, “She Loves Me”, “Damn Yankees”, “Victor/Victoria”, “A Funny Thing Happened on the Way to the Forum”, y “Company”.

STEPHEN SONDHEIM (Música y Letra/Basada en el Musical de) escribió la música y las letras de “Saturday Night” (1954), “A Funny Thing Happened on the Way to the Forum” (1962), “Anyone Can Whistle” (1964), “Company” (1970), “Follies” (1971), “A Little Night Music” (1973), “The Frogs” (1974), “Pacific Overtures” (1976), “Sweeney Todd” (1979), “Merrily We Roll Along” (1981), “Sunday in the Park with George” (1984), “Into the Woods” (1987), “Assassins” (1991), “Passion” (1994) y “Road Show” (2008). También escribió las letras de “West Side Story” (1957), “Gypsy” (1959), “Do I Hear a Waltz?” (1965) y las letras adicionales de “Candide” (1973), “Side by Side by Sondheim” (1976), “Marry Me a Little” (1981), “You’re Gonna Love Tomorrow” (1983), “Putting it Together” (1993/99), “Moving On” (2001), y “Sondheim on Sondheim” (2010) son antologías de su trabajo de compositor y letrista.

En el cine, ha compuesto la banda sonora de “Stavisky” (1974), co-compuesto la banda sonora de “Reds” (1981) y escribió canciones para “Dick Tracy” (1990). Escribió para el programa de televisión “Evening Primrose” (1966), fue uno de los autores de la película “El fin de Sheila” (1973) y la obra “Getting Away with Murder” (1996) y compuso música adicional para las obras “The Girls of Summer” (1956), “Invitation to a March” (1961), “Twigs” (1971) y “The Enclave” (1973).

Ha publicado dos volúmenes de sus letras, acompañadas de ensayos: “Finishing the Hat” (2010) y “Look, I Made a Hat” (2011). En 2010, la sala de Broadway conocida anteriormente como Henry Miller’s Theatre fue rebautizada con su nombre.

JAMES LAPINE (Guión adaptado/Basado en el Musical de) nació en 1949 en Mansfield, Ohio y vivió allí hasta el principio de su adolescencia cuando su familia se trasladó a Stamford, Connecticut. Asistió a escuelas públicas antes de ingresar en el Franklin and Marshall College de Lancaster, Pennsylvania donde se graduó en Historia. Después consiguió un MFA en Diseño del California Institute of the Arts de Valencia, California.

Después de graduarse se trasladó a Nueva York donde trabajó a tiempo parcial como camarero, como botones y guía de NBC, como fotógrafo y diseñador gráfico freelance y como conservador arquitectónico en la Architectural League de Nueva York. Uno de sus trabajos de freelance consistió en diseñar la revista de la Yale School of Drama, Yale/Theater. El rector de la School of Drama, Robert Brustein, ofreció después a Lapine un trabajo a tiempo completo para diseñar todos los materiales impresos de la School of Drama y del Yale Repertory Theatre, así como un puesto de profesor de diseño publicitario en la facultad.

Cuando estaba en Yale, sus alumnos le animaron a dirigir una obra para el mes de enero, un periodo en el que la facultad y los estudiantes emprendían un proyecto que no tuviera que ver con sus áreas de estudio o conocimiento. Así fue como Lapine dirigió “Photograph”, una obra de Gertrude Stein. La obra constaba de cinco actos y sólo tres páginas. Se presentó en New Haven ante un público formado de estudiantes y amigos. Llamó la atención del director Lee Breuer que le ayudó a que la obra se representara durante tres semanas en una pequeña sala del Soho. La producción tuvo una excelente acogida y le valió a Lapine un Obie Award.

Después encargaron a Lapine que crear una nueva obra para el Music-Theatre Group. Escribió y dirigió una versión de “Twelve Dreams”, un trabajo inspirando en la historia de un caso del psiquiatra Jung. La obra se representó posteriormente en el Public Theatre y se repuso en el Lincoln Center Theatre. Lapine terminó abandonando las artes visuales por una carrera teatral donde ha escrito y dirigido las obras: “Table Settings”; “Luck, Pluck & Virtue”; “The Moment When”; “Fran’s Bed”; “Mrs. Miller Does Her Thing”; y “Act One”, una adaptación teatral de la famosa autobiografía de Moss Hart.

En Broadway, ha escrito el libreto y ha dirigido “Sunday in the Park with George” de Stephen Sondheim, “Into the Woods”, “Passion” y el espectáculo multimedia “Sondheim on Sondheim”. También dirigió “Merrily We Roll Along” como parte de las Encores Series en el New York City Center. Ha colaborado con William Finn en “March of the Falsettos” y “Falsettoland”, que después se representó en Broadway con el título de “Falsettos”, “A New Brain”, “Muscle”, y “Little Miss Sunshine”. En Broadway también ha dirigido “Golden Child” de David Henry Hwang, “El diario de Ana Frank”, “Amour” de Michel Legrand, “The 25th Annual Putnam County Spelling Bee” y la reposición de 2012 de “Annie”. Entre sus numerosas producciones en el off-Broadway están tres obras de Shakespeare en el Public Theatre.

Coprodujo y dirigió el documental de HBO titulado “Six by Sondheim”, por el que recibió una nominación a los Emmy® y también dirigió tres largometrajes. Ha sido nominado a 12 Premios Tony®, ganándolo en tres ocasiones, y ha recibido cinco Premios Drama Desk, el Premio Peabody y el Pulitzer. En 2011, ingresó en el Theater Hall of Fame.

Lapine es miembro del Dramatist Guild Council y en los últimos 13 años ha sido mentor del Open Doors Program de TDF. En la actualidad vive en Nueva York.

JOHN DeLUCA, p.g.a. (Productor) ha sido recientemente productor ejecutivo de “Piratas del Caribe: En mareas misteriosas” de Disney, que recaudó más de 1.000 millones de dólares en todo el mundo. También ha sido productor, coreógrafo y director de la segunda unidad de la adaptación cinematográfica del musical de Broadway “Nine”, que le valió una nominación a los Globos de Oro® y también fue nominado a cuatro Premios de la Academia®, cinco Globos de oro y 10 Critics’ Choice Awards. DeLuca fue coproductor, director de la segunda unidad y coreógrafo de la película ganadora de los Oscar “Memorias de una Geisha” y supervisor de coreografía y director de la segunda unidad de la oscarizada “Chicago”. Ganó dos Emmy® como productor ejecutivo y

coreógrafo del especial de televisión de NBC titulado “Tony Bennett: An American Classic” (7 premios en total, el programa más nominado de esa temporada).

DeLuca coreografió la película de Spielberg “La terminal”, así como la 75º edición de los Premios de la Academia y de los Kennedy Center Honors. En Broadway, coreografió “Dr. Seuss’ How the Grinch Stole Christmas!” y “Minnelli on Minnelli”. Además dirigió y coreografió “Broadway Sings Elton John” y “Deborah Voight on Broadway”. Otros de sus créditos como coreógrafo en Nueva York incluyen “Sweet Adeline” (Encores!) y “Dos caballeros de Verona” (The Public). DeLuca también trabajó en giras por Estados Unidos de “The Boyfriend” y “Andrew Lloyd Webber’s Music of the Night” (coreógrafo) así como de “Chita & All that Jazz” y “Brigadoon” (director).

MARC PLATT, p.g.a. (Productor) es uno de los pocos productores que ha abarcado con éxito el mundo del teatro, el cine y la televisión. Sus proyectos le han valido 8 nominaciones a los Oscar®, 16 a los Tony®, 13 a los Globos de Oro® y 19 a los Emmy®.

Entre sus proyectos más recientes cabe destacar: “Cuento de invierno”, protagonizada por Colin Farrell y Russell Crowe, escrita y dirigida por Akiva Goldsman, ganador de un Oscar; y “2 Guns”, protagonizada por Denzel Washington y Mark Wahlberg. Platt también produjo “Drive”, protagonizada por Ryan Gosling, que logró el premio al Mejor Director en la 64ª edición del Festival de Cannes (2011). Otros de los créditos cinematográficos que ha producido Platt son los éxitos de taquilla “Una rubia muy legal” y su secuela, protagonizada por Reese Witherspoon; “Scott Pilgrim contra el mundo”, dirigida por Edgar Wright; la aclamada “La boda de Raquel”, dirigida por el oscarizado director Jonathan Demme y protagonizada por Anne Hathaway; el bombazo del verano de 2008 “Wanted (Se busca)”, con Angelina Jolie, James McAvoy, y Morgan Freeman; el musical “Nine”, diririgo por Rob Marshall, protagonizado por Daniel Day-Lewis, Judi Dench, Nicole Kidman, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Sophia Loren, Kate Hudson y Fergie; “Vaya par de polis”, con Bruce Willis y Tracy Morgan; “Siempre a mi lado”, protagonizada por Zac Efron; “El amor y otras cosas imposibles”, con Natalie Portman; “Honey”, “Josie y las melódicas” y “El hombre perfecto”.

Las próximas películas de Platt incluyen: “Ricki and the Flash” de Jonathan Demme; un thriller sin título sobre la Guerra Fría dirigido por Steven Spielberg; el debut como director/guionista de Ryan Gosling, “Lost River”, protagonizada por Christina Hendricks; y “Song One”, con Anne Hathaway.

Platt es el productor del éxito de Broadway “Wicked”, que el New York Times denominó recientemente “el musical definitorio de la década”. “Wicked”, que celebró recientemente su décimo aniversario en Broadway, sigue rompiendo record de taquilla en el Gershwin Theatre. Platt creó el espectáculo con el compositor y letrista Stephen Schwartz, con libreto de Winnie Holzman basado en la novela de mismo nombre de Gregory Maguire. El CD grabado por el reparto original de “Wicked” rompió los record de ventas de todos los espectáculos de Broadway desde “Rent”, y ha sido doble disco platino. En total, siete compañías representan en este momento la obra en todo el mundo, incluyendo Broadway, Londres, una gira por el Reino Unido, Japón, Australia y dos giras por Norteamérica. Además, otras dos compañías estrenarán este año la obra en Corea y Ciudad de México. En los últimos años, ocho compañías han representado “Wicked” en todo el mundo, incluyendo producciones en Alemania y Holanda.

Platt también produjo “If/Then” en Broadway, protagonizada por Idina Menzel; el debut en Broadway de “Three Days of Rain”, con Julia Roberts, Paul Rudd y Bradley Cooper; el ballet “Edward Scissorhands” de Matthew Bourne, que le valió su segundo Premio Drama Desk; y la reciente reposición de “Pal Joey”, protagonizada por Stockard Channing.

En la televisión, ganó el Globo de Oro a la Mejor Miniserie por “Empire Falls” (HBO) protagonizada por Paul Newman, Joanne Woodward, Ed Harris, Helen Hunt y Philip Seymour Hoffman. Platt también fue el productor ejecutivo de “Once Upon a Mattress”, protagonizada por Carol Burnett y Tracey Ullman (ABC); la miniserie ganadora de un Emmy “The Path to 9/11” (ABC); y la serie de éxito de MTV titulada “Taking the Stage”.

Antes de crear su productora, Platt fue presidente de producción de tres estudios de cine (Orion, TriStar y Universal). Platt es miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, de la Academia de las Artes y las Ciencias de la Televisión y de la Broadway League.

CALLUM MCDOUGALL (Productor) se incorporó a la industria del cine en 1979 y fue escalando puestos desde ayudante de producción, tercero y segundo ayudante del director hasta jefe de unidad de producción.

Como jefe de unidad, trabajó en tres temporadas de la aclamada serie de televisión “Las crónicas del joven Indiana Jones” y como jefe de unidad de producción de largometrajes como: “Goldeneye”, “El mañana nunca muere”, “Criaturas feroces”, “101 Dálmatas” y “Alien Love Triangle”. Durante ese tiempo, también fue ejecutivo encargado de producción en DNA Films trabajando en películas como “Hermosas criaturas”, “Strictly Sinatra (A su manera)” y “The Final Curtain”.

Después de ser coproductor de “La playa” y “Muere otro día” y después como productor de la comedia “El agente de la condicional”, McDougall fue productor ejecutivo de “Harry Potter y el prisionero de Azkaban”, “Casino Royale”, “Quantum of Solace”, “Ira de Titanes”, “Skyfall”, y más recientemente del documental “We Are Many”.

DION BEEBE, ACS, ASC (Director de fotografía ha sido recientemente director de fotografía de “Al filo del mañana” de Warner Bros.

En 2005, Beebe ganó el Oscar® así como el BAFTA, los Premios del Australian Film Institute (AFI) y de la American Society of Cinematographer (ASC), por su trabajo en el drama de Rob Marshall, “Memorias de una Geisha”. La película fue la segunda colaboración de Beebe con el realizador Marshall, después de “Chicago” que le valió un Oscar a la Mejor Película al director. Con “Chicago”, Beebe también recibió sus primeras nominaciones al Oscar y a los BAFTA. Volvió a colaborar con Marshall en el maravilloso musical “Nine”, que le valió otra nominación a los Precios de la ASC.

Beebe nació en Brisbane, Australia, y a los cinco años se trasladó con su familia a Ciudad del Cabo, Sudáfrica. Primer estudió un año en el Pretoria Technical College antes de regresar a Australia para ingresar en la Australian Film, Television and Radio School. En aquella época era el único estudiante de fotografía a tiempo completo y ganó un Premio AFI y el Trípode de Oro que concede la Australian Cinematographers Society (ACS) por dos de sus películas estudiantiles.

Después de graduarse, Beebe perfeccionó su formación rodando cortometrajes y anuncios para televisión así como dirigiendo y rodando vídeos musicales. Su primer largometraje como director de fotografía fue el drama de 1992 titulado “Crush”. En los cinco años siguientes trabajó en media docena de documentales y largometrajes, ganando un Premio Trípode de Oro de la ACS por “Down Rusty Down” en 1997. Recibió otros dos premios de la ACS por el drama de John Curran, “Praise” en 1998, que también le valió nominaciones al AFi y al Film Critics Circle of Australia (FCCA), y en 2003 por “En carne viva (In the Cut)” de Jane Campion. Además recibió nominaciones a los premios de la AFi y de la FCCA por el largometraje australiano de 1996, “What I Have Written” y otra nominación al Premio de la FCCA por “The Goddess of 1967”.

El primer trabajo cinematográfico norteamericano de Beebe fue el drama de Showtime de Mira Nair “My Own Country”. Después, Beebe colaboró dos veces con el director Michael Mann, primero en “Collateral”, que le valió compartir con Paul Cameron nominaciones a los Premios BAFTA y ASC, y después en “Corrupción en Miami”. Sus créditos también abarcan largometrajes y documentales e incluyen el documental de Unjoo Moon sobre Tony Bennett “The Zen of Bennett”; “Brigada de élite” de Ruben Fleischer; “Green Lantern (Linterna verde)” de Martin Campbell; “El mundo de los perdidos” de Brad Silberling; “Expediente Anwar” de Gavin Hood; el documental musical “I’m Only Looking: The Best of INXS”; “Equilibrium”; “Charlotte Gray” de Gillian Armstrong; “Lulú Forever”; y “Holy Smoke”, que marcó su primera colaboración con Campion. Además, se ocupó de las cámaras del concierto homenaje de Rob Marshall de 2006 “Tony Bennett: An American Classic”.

DENNIS GASSNER (Diseñador de producción) cuenta con una carrera que abarca más de 30 años. Desde sus orígenes humildes como ayudante de producción en “Apocalypse Now”, Gassner tuvo la fortuna de trabajar estrechamente con Francis Ford Coppola lo que le permitió trabajar en los Zoetrope Studios durante cinco años, donde ganó una experiencia incalculable y aprendió el oficio.

En la actualidad tanto la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas como la Asociación Británica de las Artes del Cine y la Televisión reconocen su talento creativo. En 1991, ganó el Oscar® al Mejor Diseño de Producción por “Bugsy” protagonizada por Warren Beatty y Annette Bening y ese mismo año fue nominado por su trabajo en “Barton Fink” de los hermanos Coen. También ganó el BAFTA por “Camino a la perdición” de Sam Mendes (2002) y “El show de Truman (Una vida en directo) de Peter Weir (1998) y fue nominado al BAFTA por el diseño de producción de “Big Fish” de Tim Burton (2003).

Gassner volvió a recibir una nominación a los Oscar por su trabajo en el thriller fantástico “El compás de oro”, (2007). Antes de incorporarse al equipo de “Into the Woods”, Gassner había terminado su trabajo en “Skyfall” (2012) de Sam Mendes por el que recibió el Art Directors Guild Award for Excellence in Production Design for a Contemporary Film. En la actualidad trabaja en “Bond 24”, que se estrenará en 2015.

COLLEEN ATWOOD (Diseñadora de vestuario) ha ganado tres Premios de la Academia®, por sus diseños de vestuario en “Alicia en el País de Maravillas”, el éxito de taquilla de Tim Burton de 2010, y en las películas dirigidas por Rob Marshall, “Memorias de una Geisha” y “Chicago”. Entre sus numerosos premios, Atwood también ha recibido nominaciones a los Oscar® por su trabajo en “Blancanieves y la leyenda del cazador”, “Nine” de Marshall, “Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet” de Burton, “Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket” de Brad Silberling, “Beloved” de Jonathan Demme y “Mujercitas” de Gillian Armstrong.

Sus anteriores trabajos con Tim Burton incluyen “Eduardo Manostijeras”, “Ed Wood”, “Mars Attacks!”, “El Planeta de los simios” y “Big Fish”. También ha colaborado con el director Jonathan Demme en “El silencio de los corderos”, premiada con un Oscar® a la Mejor Película”, así como en “Filadelfia” y “Casada con todos”. Además, diseñó los trajes de Johnny Depp en “Enemigos públicos”, “El turista” y “Los diarios del ron”. Los diseños de vestuario de Atwood también se pueden ver en el reciente estreno de Tim Burton, “Big Eyes” y en “Alice in Wonderland: Through the Looking Glass”. Entre sus numerosos trabajos en el cine cabe destacar el éxito de taquilla de J.J. Abrams, “Misión imposible III (M:I-3)”, “In Time” y “Gattacca” de Andrew Niccol, “The Wonders” de Tom Hanks, “Mumford” y “Wyatt Earp” de Lawrence Kasdan, “Manhunter” de Michael Mann y “Un extraño en casa” de Michael Apted, que fue su primera película como diseñadora de vestuario.

En noviembre de 2014, Atwood lanzó una línea exclusiva de bolsos de lujo.

WYATT SMITH (Montador) es hijo de un roadie y conoció desde muy pequeño los entresijos del mundo del entretenimiento. Su primer trabajo fue a los 12 años como ayudante de producción de un especial de HBO sobre Carly Simon. Durante su adolescencia, Smith trabajó en proyectos para varios artistas entre los que se incluyen Mariah Carey y Paul Simon.

A principios de los 90, Smith descubrió el montaje cuando trabajaba en los Sony Music Studios de Nueva York. Su prestigio como montador fue creciendo al montar la aclamada serie musical “Sessions At West 54th”, documentales para Black Sabbath, Brian Wilson y A&E Biography, vídeos musicales para Pearl Jam, John Mayer, Keith Urban, y especiales de televisión que incluyen “Michael Jackson: 30th Anniversary Celebration” y “Elvis By The Presley’s” de CBS. Smith abarcó otros ámbitos diferentes de la música y montó la serie de comedia “Chappelle’s Show”.

En 2002, a petición del legendario productor de discos Phil Ramone, Smith empezó a dirigir programas con varias cámaras incluyendo “Songwriters Hall of Fame” (Bravo), “The World Series of Pop Culture” de VH1 y especiales para los ganadores de los GRAMMY®, John Legend y Evanescence.

En 2006, Smith se encargó del montaje de especial de NBC ganador de siete Emmy®, “Tony Bennett: An American Classic”, dirigido por Rob Marshall (“Chicago”, “Memorias de una Geisha”) por el que Smith fue nominado a un Emmy al Mejor Montaje de un Especial. A petición de Rob Marshall, fue uno de los montadores de la película musical “Nine” de Weinstein Company, protagonizada por Daniel Day-Lewis por la que recibió una nominación al Boadcast Film Critics’ Choice al Mejor Montaje. Continuando su trabajo con Marshall, Wyatt montó la epopeya de aventuras en 3D de Disney, “Piratas del Caribe: En mareas misteriosas”, protagonizada por Johnny Depp y producida por Jerry Bruckheimer.

Smith montó el documental “The Zen of Bennett”, que formó parte del Festival de Cine de Tribeca de 2012 y también participó en el montaje de “Mi semana con Marilyn” de Weinstein Company, protagonizada por Michelle Williams, y “Despedida de soltera”, protagonizada por Kirsten Dunst. Además de montar segmentos del concierto del documental en 3D de Sony Pictures “One Direction: This is Us”, Smith regresó al género de acción y aventuras realizando el montaje de “300: El origen de un imperio” para Warner Bros. antes de trasladarse a los Marvel Studios para participar en el montaje de “Thor: El mundo oscuro”.

“Into The Woods” representa la tercera colaboración de Smith con el director Rob Marshall.

PETER SWORDS KING (Maquillaje y Peluquería) empezó su carrera en 1970 cuando dejó el colegio para entrar a formar parte de varias compañías de teatro pequeñas. Dirigió un centro de arte durante dos años antes de comprender que su vocación era el maquillaje y la peluquería.

Swords King empezó a trabajar en el Bristol Old Vic Theater en 1980 donde conoció a Peter Owen que era jefe de maquillaje. Después de seguir a Owen al Welsh National Opera, los dos Peter trabajaron juntos durante cinco años antes de fundar su compañía de pelucas llamada ‘Owen, King and Co.’

Un momento crucial en la carrera de Swords King fue diseñar la producción teatral original de “El fantasma de la ópera”, que ahora se representa por todo el mundo. A partir de ese momento se centró en una exitosa carrera en el cine especializándose en diseño de pelucas y maquillaje de época. Recibió el Oscar® y el BAFTA por su excepcional trabajo en la trilogía de “El Señor de los anillos”, convirtiéndose en un maestro de su profesión.

Swords King ha diseñado los looks de películas tan notables como “El hombre sin edad”, donde colaboró con el prestigioso director Francis Ford Coppola, “King Kong”, “La niñera mágica”, “Beyond the Sea”, “El compás dorado” y “Nueva York para principiantes”.

En 2007, Swords King colaboró de nuevo con el afamado director Peter Jackson en “The Lovely Bones” de DreamWorks. El año 2009 estuvo plagado de proyectos para Swords King. Diseñó la película “Nine” de Rob Marshall, que reunió un elenco de actores oscarizados: Daniel Day-Lewis, Nicole Kidman, Penélope Cruz, Marion Cotillard, Dame Judi Dench, y Sophia Loren. La película le valió una séptima nominación a los BAFTA. Volvió a colaborar con Emma Thompson en la siguiente entrega de “La niñera mágica” titulada “La niñera mágica y el Big Bang”. Swords King diseñó el maquillaje de Anne Hathaway en “Amor y otras drogas” de Ed Zwick y volvió a reunirse con Rob Marshall en “Piratas del Caribe: En mareas misteriosas”. Más recientemente, Swords King trabajó en la trilogía de “El Hobbit” que le ha valido otra nominación al Oscar y los BAFTA por la primera entrega de la saga, “El Hobbit: Un viaje inesperado”.

Hace poco terminó el rodaje de “Alice in Wonderland: Through the Looking Glass”.

MIKE HIGHAM (Productor y Supervisor musical) inició su carrera en la industria musical trabajando con el legendario productor de música Trevor Horn, con artistas como U2, Seal, Rod Stewart, Tina Turner, Tom Jones, Spice Girls, Eric Clapton, Sting y muchos otros.

Mientras trabajaba para Horn como ingeniero, montador, programador y productor, Higham encontró su vocación en la música para el cine y empezó a programar la música de películas como “Toys” y “Días de trueno”. Así fue como se convirtió en uno de los editores y supervisores musicales más solicitados de la industrial. Sus créditos incluyen una amplia gama de proyectos en el cine y la televisión. Ha dado forma a la banda sonora de películas de época (“Elizabeth”, “El Rey Arturo”), románticas (“Notting Hill”, “El diario de Bridget Jones”), fantásticas y de aventuras (“Hellboy II: El ejército dorado”, “Furia de Titanes”) y de thrillers trepidantes (“United 93”, “Quantum of Solace”, “Hanna” y “Captain Phillips” para el director Paul Greengrass, protagonizada por Tom Hanks).

Higham ha colaborado de forma regular en las películas de Tim Burton, empezando con “Charlie y la fábrica de chocolate”, hasta las recientes “Sombras tenebrosas” y “Frankenweenie”. Colaboró con Burton en la película musical “Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet”, por la que recibió una nominación al GRAMMY® por su trabajo en la banda sonora de la película. Ganó un Premio Emmy® a la Mejor Música para una Miniserie, por su trabajo en la aclamada serie “Hermanos de sangre”.

PAUL GEMIGNANI (Supervisor musical), ha sido director musical de más de 45 espectáculos de Broadway y del West End, incluyendo: “Follies”; “Pacific Overtures”; “Candide”; “A Little Night Music”; “Sweeney Todd”; “Evita”; “Dreamgirls”; “Merrily We Roll Along”; “Into the Woods”; “On The Twentieth Century”; “Sunday in the Park with George”; “Jerome Robbins Broadway”; “Crazy for You”; “Passion”; “High Society”; “Kiss Me Kate”; “Assassins”; “The Frogs” y “The Mystery of Edwin Drood”, por nombrar algunas.

Gemignani graba con la American Theatre Orchestra. Además de sus numerosas participaciones en álbumes, sus grabaciones incluyen: “Sondheim, A Celebration at Carnegie Hall” (CD y vídeo); “Standing Room Only”, “In the Real World” y “Golden Days” con Jerry Hadley; “The Men In My Life” con Marilyn Horne, Jerry Hadley, Thomas Hampson y Samuel Ramey; un álbum en solitario con Thomas Hampson; “Leading Man” y “Man of La Mancha” con Plácido Domingo; “Anyone Can Whistle” de Stephen Sondheim con Bernadette Peters, Madeline Kahn y Angela Lansbury; “Betty Buckley at Carnegie Hall”; “My Favorite Broadway” y “My Favorite Broadway, The Love Songs” y “Kristina with ABBA” (grabado en el Carnegie Hall, 2009).

Gemignani ha sido director de orquesta invitado con las Orquestas Filarmónicas de Boston, San Francisco, Buffalo, Filadelfia, Baltimore y Nueva York y ha grabado como director invitado con la Royal Philharmonic y la Orquesta Sinfónica de Londres. También ha sido director invitado en la New York City Opera, la Chicago Lyric Opera, la Royal Opera Company y el New York City Ballet. En 2004 grabó un CD con la Welsh National Opera Orchestra con los artistas Renee Fleming y Bryn Terfel titulado “Under the Stars”. Este CD también se filmó en concierto y se emitió en Estados Unidos y en todo el mundo.

Su trabajo para el cine y la televisión incluye: “Sondheim: A Musical Celebration at Carnegie Hall”; “Follies, Live at the Philharmonic”; “A Little Night Music” para PBS; “Live from Lincoln Center”; “A Celebration of the American Musical” con Jerry Hadley, Marilyn Horne, Frederica von Stade, Samuel Ramey, Renee Fleming, Dwayne Croft y otros, para PBS; “Great Performances”; “Into the Woods” y “Sunday in the Park with George” para Showtime; y “Passion” para le American Playhouse y de nuevo “Passion” para la serie “The American Songbook”, por el que el programa recibió un Premio Emmy®. Sus largometrajes incluyen: “Reds”; “A Little Night Music”; “Kramer contra Kramer”; “Eye Witness”; y en 2006/07, “Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet”, dirigida por Tim Burton y protagonizada por Johnny Depp.

Las nominaciones a los GRAMMY® de Gemignani incluyen: “Sweeney Todd”; “Crazy for You”; “Passion”; “Bésame Kate”; “Asesinos”; y una nominación a los Emmy® por “My Favorite Broadway, The Love Songs”.

En 2001 recibió el Premio Tony® a toda una carrera, así como el Premio de los Críticos Teatrales de Los Ángeles (1994) y un Drama Desk especial (1989) a la Excelencia en la Dirección Musical y a Compromiso con el Teatro. En 2003, Gemignani fue nombrado Doctor honoris causa en Artes Musicales por la Manhattan School of Music. En 2006, recibió un Emmy a la Mejor Dirección Musical por la presentación de “South Pacific” de Rogers y Hammerstein. En 2008, la Drama League de Nueva York le otorgó un Premio a toda una carrera en el Teatro Musical. En 2010, ingresó en el Theatre Hall of Fame y en 2012, le concedieron el Premio Oscar Hammerstein a toda una Carrera en el Teatro Musical.

MATT JOHNSON (Supervisor de efectos visuales), nominado a los Emmy®, se centró desde muy joven en desarrollar una carrera en el ámbito de los efectos visuales. A los 17 años, recibió una cámara de cine de 8 mm y empezó a filmar películas de animación con muñecos Lego. Un par de años después ya estaba leyendo revistas de efectos visuales especiales, aprendiendo aspectos técnicos de esta especialidad en el cine. En 1994, recién salido de la universidad y con una Licenciatura en Artes Cinematográficas, Vídeo y Fotografía, Johnson consiguió su primer trabajo en la industria del cine trabajando como asistente de producción en Cinesite, la prestigiosa compañía de efectos visuales. No tardó en escalar puestos y en 1999 ya trabajaba de supervisor de la miniserie de NBC “Cleopatra”, protagonizada por Timothy Dalton y Billy Zane; Johnson fue nominado a los Emmy® por los efectos visuales.

Al año siguiente le llegó una segunda nominación a los Emmy por su trabajo en “The Magical Legend of the Leprechauns” de Hallmark. Johnson también trabajó en las aclamadas miniseries “Band of Brothers”, “The Lost Empire” y “Hans Christian Andersen: My Life as a Fairytale”.

En 2002, se pasó a los largometrajes y fue supervisor de efectos visuales en “Los rebeldes de Shanghai”, protagonizada por Jackie Chan y Owen Wilson. Otros créditos cinematográficos a destacar de Johnson incluyen “El compás dorado” (que ganó el Oscar® a los Mejores Efectos Visuales), “V de Vendetta”, “Las crónicas de Narnia: La travesía del viajero del alba”, “X-Men: Primera generación”, “Guerra Mundial Z”, y, más recientemente, “Jack Ryan: Operación Sombra”, dirigida por Kenneth Branagh.

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